Alles wordt gemengd in deze opera: een zoektocht en een kinderboom, oude symbolen en mythen door het prisma van de psychoanalyse, een malafide roman en maçonnieke thema's, subtiele genderverhoudingen, zoet klinkende Mozart-koren, en een beetje meer - en de hele zaal zal zingen, zoals bij een rockconcert, alles wat je nodig hebt is liefde. Geliefden ondergaan vreselijke tests om elkaar te ontmoeten, en wanneer ze elkaar ontmoeten, gaan ze door - al samen - niet minder verschrikkelijk. Iedereen lust voor iedereen, iedereen redt iedereen, velen willen elkaar of zichzelf vermoorden, maar uiteindelijk zal iedereen van elkaar houden.
Voor de hoofdarchitect van Moskou, Sergei Kuznetsov, is dit de tweede baan als productieontwerper (de eerste is de openingsvoorstelling van de Helikon-Opera na de reconstructie van 2015). Medeauteur Agniya Sterligova (Planet 9) heeft al ervaring in theaterscenografie. Op een persconferentie voor de première van "Flute" op 12 november deelden de auteurs van het stuk hun indrukken.
Volgens Sergei Kuznetsov kwamen hij en Agniya Sterligova niet zozeer uit muziek als wel uit de scenografische traditie, keken naar veel materiaal, wilden zichzelf niet herhalen. “Dit is een show die balanceert op de grens van popart en kitsch, maar die grens niet overschrijdt, een show waar niemand zich zal vervelen. Mozart zou blij zijn, - vatte de hoofdarchitect samen. - Dit is een reflectie op het conflict en de zwaartekracht naar elkaar toe van de mannelijke en vrouwelijke werelden, die ons allemaal aangaat. Alle wezens kunnen zichzelf identificeren met een bepaald geslacht. Degenen die dit kunnen, zullen geïnteresseerd zijn, en de rest kan eindelijk nadenken en beslissen. We denken dat na de voorstelling iedereen hier voor eens en voor altijd over zal beslissen. ''
Agniya Sterligova concretiseerde het idee: “In een dialoog met de regisseur Ilya Ilyin kwamen we met een afbeelding van een Lunapark vergelijkbaar met die aan het begin van de twintigste eeuw in New York op Coney Island. Deze keuze werd ook geïnspireerd door de opblaasbare kostuums van popartiesten van Alexandra Sharova. Een grootschalige draaiende carrousel, die tevens de Tempel van Wijsheid is, is de achtergrond geworden voor de confrontatie tussen de mannelijke en vrouwelijke werelden. En de artistiek directeur van "Helikon-Opera" Dmitry Bertman zei belangrijke woorden over de rol van architectuur. Hij zei: "We zijn al vele jaren bevriend met Sergei Kuznetsov, hij maakte een expositie voor de opening van ons theater, en we wilden al heel lang" Flute "opvoeren. Sergei Kuznetsov is helemaal geen ambtenaar, hij is een anti-ambtenaar, een echte kunstenaar. Modern theater is symbolisch, het tijdperk van imitatie is voorbij, geschilderde gordijnen zijn niet meer relevant, vandaag treden architecten op, dat zien we in theaters over de hele wereld."
Ondanks mijn musicologische opleiding heb ik de plot van The Magic Flute nooit kunnen begrijpen, maar zelfs onthouden en me exclusief op muziek geconcentreerd. Waarom roept de tovenaar Sarastro (betekenend de vuuraanbidder Zarathoestra) de Egyptische Isis en Osiris op? Ze lijken 'uit verschillende opera's' te komen. Librettist-vrijmetselaar Shikaneder (hij is ook de eerste uitvoerder van Papageno) verwijst naar de Egyptische geheime kennis, geliefd bij de vrijmetselaars, maar wat heeft Perzië ermee te maken? Waarom heeft de Perzische wijze de prinses ontvoerd? Het blijkt wijsheid te leren, en helemaal niet om te trouwen. Waarom staat de Moor dan toe haar te bewaken, die natuurlijke intimidatie regelt (het thema van de prinses en het monster)?
Voor het begin van de actie zien we op het gordijn een aquarel van Sergei Kuznetsov, die een carrousel voorstelt, die er ook uitziet als een kroonluchter, die tijdens de ouverture effectief begint te roken of te druipen van kleuren. Dan gaat het gordijn open en bevinden we ons in Luna Park, en daar kan alles gebeuren wat je wilt: vreselijke gevaren en vreselijke avonturen. In het eerste bedrijf wordt op het podium een achtbaan gebouwd waar een trein langs raast - en dit bleek geen trein te zijn, maar een slang die prins Tamino achtervolgt. De slang haalde hem bijna in, maar op het laatste moment wordt hij gered door drie helse dames in zwart en rood - de feeën van de koningin van de nacht.
In Luna Park wachten we op eerlijke optredens en speurtochten met tests die moeten worden doorstaan. En het is geen toeval dat de Koningin van de Nacht uit een glas popcorn kruipt, en de zwarte slangen waarop ze zit - niet eng, opblaasbaar - verminderen het pathos van de beroemde, moeilijkste aria ter wereld van F van de derde octaaf. (Overigens klonk de aria briljant, net als de tenorpartij van Tamino en de bas van grootvader-professor Sarastro. andere tijdperken ingaan. Voor de oren - puur genot. Maar daar gaan we niet over).
In het midden van de scenografie van The Magic Flute staat een soort wereldboom, die in verschillende kleuren is geverfd: hij vlamt en knettert als de helden door het vuur lopen, wordt blauw en gorgelt als ze door het water gaan, schittert met goud in de Sarastro-tempel. (Ik heb gelezen dat dit een carrousel is, nadat ik al een recensie heb geschreven, maar associaties met de bijbelse boom van de kennis van goed en kwaad sieren het alleen maar, omdat we het hebben over het kennen van de diepten van de menselijke natuur en het verlichten daarvan). De vorm en metalen structuren van de boom zijn zo'n klok van de Sjoechov-toren, een constructivistische klok (en vooruitlopend, zal ik zeggen dat er dan constructivistische metalen bellen omheen groeien). Deze toren houdt de compositie goed vast, hij staat altijd in het midden en de belangrijkste, hij helpt bij het bouwen van choreografie, draait op een rond stylobaat bij het wisselen van landschap. Het mediascherm aan de linkerkant van het podium geeft commentaar op wat er gebeurt.
Kleur speelt een grote rol in de scenografie, in wisselwerking met de heldere opblaasbare pop-art van kostuums. De kleuren zijn symbolisch en helpen een complex verhaal te ontrafelen. Verliefde kinderen - prins Tamino en prinses Pamina - hebben hun eigen kleuren. De prinses is roze en Tamino draagt een blauw pak, het alter ego van het publiek, dat pas aan het einde verandert in een stalen krijger. In tegenstelling tot verliefde kinderen is er een oudere generatie - moeder Nacht en de wijze Sarastro, zij belichaamt het donkere vrouwelijke principe (zwarte kleur, zwarte feeën, slangen en apen), hij is een zonnig, intelligent mannelijk principe (gouden harnas, gouden krijgers en een gouden trui met lurex). Night en Sarastro hebben een moeilijke freudiaanse relatie met elkaar en met de jongere generatie. Ze pleiten voor de prinses, hij heeft haar gestolen, de bitchy moeder is jaloers op haar dochter naar Sarastro (of Sarastro naar haar dochter?), Wil hem zelfs vermoorden. Maar toen maakten de ouderen het weer goed en haastten ze zich op reis met een koffer, het was niet voor niets dat Night de tweede aria zingt op een opblaasbare roze zwaan, verliefd werd, moet je denken (nogmaals, denk aan Nabokovs Duitse zwanen). Alle scenografie en choreografie werken constant met zwarte en gouden kleuren, ook bij de constructie van publieksscènes. De soldaten van Sarastro zijn perfect opgelost in de vorm van gouden mannen in pantser a la Star Wars. En vrouwen dienen hem ook, maar niet zwart, maar verlicht, maanlicht, in witte ruimtepakken.
Als we geslachtssymbolen aan de kleuren willen toekennen, dan is Papageno de enige van alle helden die zijn geschilderd in de kleuren van de regenboog met overwegend paars en oranje. Hij is de meest "opblaasbare". Begrijp hoe u wilt. Dezelfde regenboog, in een rok gemaakt van ballonnen, is zijn verloofde Papagena. Over het algemeen is Papageno een typische dienaar uit een schurkenroman, correleert met de prins als Leporello met Don Juan, Sancho Panso met Don Quichot. Hij drinkt veel, liegt veel, is overal bang voor, maar hij was het die de prinses van de Moor heeft gered. Mozart schreef singspiel, een vaudeville met muzieknummers en conversatieopmerkingen voor een eenvoudig theater. De tekst van de beroemde aria van de vogelvanger is nogal smerig, maar wordt hier niet gelezen. Hier is de vogelvanger de held van een kind en tegelijkertijd een schurk, die de pathos van het hoofdpaar van de prins en de prinses vermindert. Liefhebbers moeten de tests van vuur, water en moorddadige stilte doorstaan. Het ergste voor een vrouw is wanneer een man niet met haar praat (en in Orpheus kon hij haar niet aankijken, weet je nog?), En ze begrijpt niet waarom. En zingt een ontroerende aria, zodat ze in tranen uitbarst. De prinses staat op het punt zelfmoord te plegen en steekt een zwaard over haar heen. Papageno biedt onmiddellijk een parodieversie van zelfmoord aan en wordt aan een ballon opgehangen.
In de laatste scène, waar de geliefden zich verenigen, plaatsen de decorontwerpers ze op de meest pompeuze plek - bovenop de structuur van diezelfde boomtoren, en de geliefden kussen op de toren, wat verwijst naar het einde van de Hollywood-film..
En wat is de magische fluit die heeft geholpen om alle tests te doorstaan? Ik denk dat de fluit een kunst is, het verzacht zowel angst als het vreemdste en donkerste begin dat bestaat bij volwassenen en zelfs bij een prinses (de zwarte stier-Moor die haar regelmatig kwelt is een ander archetype van passie). En de variant van de fluit zijn de klokken van Papageno. Ze zijn eenvoudiger, maar niettemin, als ze op tijd worden 'aangezet' en op het mediascherm worden gekopieerd, begint iedereen, zelfs de slechteriken, te dansen, in een dansgeneraliserend einde dat de vijandschap tussen de helden wegneemt. Daarbij zien de klokken eruit als een Rubiks kubus, een mascotte uit een blockbuster. En in de laatste scène zien we hun onveranderlijke: constructivistische metalen klokken die rond de "Sjoechov-toren" zijn gegroeid. Het waren de "kinderen" van de ijzeren boom.
Ik moet ook zeggen over het nummer drie. Er zijn drie akkoorden in de ouverture van de opera. Drie hemelse jongens - witte wolken, waaruit discante hoofden van kinderen uitsteken, vormen als ze verschijnen prachtige "witte" afbeeldingen. De jongens helpen de prins. Ze zijn het tegenovergestelde van de drie verdorven zwarte feeën van de Koningin van de Nacht. En de feeën hielpen trouwens ook de prins (als je de draad van het complot verloor, redden ze hem van de slangentrein). Toen de koningin van de nacht vertrok met Sarastro, vallen zwarte vrouwen, die de geweldige mogelijkheden van machines demonstreerden, in de hel - waarvoor vraagt men zich af? Of is de koningin bevrijd van haar duistere begin? Of is het slechts een herinnering aan de slotscène van Mozarts Don Juan? Toch is er hier enige discriminatie op grond van geslacht. Als jongens - zo wit, als meisjes - zo zwart en naar de hel. Feministen zouden ongelukkig zijn.
Zoals Sergei Kuznetsov zei, het mooiste aan The Magic Flute is zijn dubbelzinnigheid. Het heeft een oneindig aantal interpretaties, omdat het allemaal gebaseerd is op sprookjes en mythen, initiaties en archetypen, grappig en diep tegelijk, en daarom is "Flute" altijd relevant en geeft het ruimte aan verbeeldingskracht. En de scenografie toont al deze symbolische en mystieke vloeren perfect en presenteert aan de toeschouwer in een gemakkelijk op te nemen showvorm.
