Bij het verlaten van de tentoonstelling "Hypnosis of Space" voel je wat herrie in je hoofd, zoals na een goed optreden of een lange film. Niet anders werd het aangevallen door Mars - dit is de naam van de eerste installatie - "Mars Attacks", de naam is opzettelijk fantastisch, naar Wells, maar het bestaat uit volstrekt klassieke dingen: een gravure van Piranesi en een tekst van Odoevsky. En dat is het dus.
Het verklaarde doel van de tentoonstelling is "om de logica te begrijpen van de geboorte van emoties in het tijdperk van de verlichting en vandaag, in het tijdperk van online RPG-games"; een verband vinden tussen de barok van de 18e eeuw en de cyberbarok van het post-internet. Wauw taak, moet ik zeggen. In ons dagelijkse bewustzijn zijn we eraan gewend te denken dat computers en boeken, vooral prenten, waarschijnlijker antipoden, vijanden en concurrenten zijn in de strijd om iemands vrije tijd, vooral een kind. De tentoonstelling bewijst ons dat dit niet het geval is, dat de fantastische werelden van de 18e eeuw en het heden nauw met elkaar verwant zijn, onderling afhankelijk zijn en in het algemeen hetzelfde zijn. In feite is het dat natuurlijk, en goede ontwerpers van virtuele ruimtes, zowel game als cinema, kennen en gebruiken dit heel goed, maar met het bewijs blijkt een vrij lang en moeizaam verhaal. Ik denk dat er een tiental van dergelijke tentoonstellingen nodig zijn om het echt te bewijzen. Anderzijds stimuleert de vastgestelde supertaak enerzijds perfect het harde werken en anderzijds bevrijdt het de curator. Het is niet voor niets dat de curatoriële boodschap bestaat uit een nogal onverwachte vermelding van Tsaritsyns datsja's: de zomer is een speeltijd, datsja, niet al te serieus, of het kan nog steeds.
De tentoonstelling beslaat 11 kamers, verdeeld over negen thema's en gelegen op de tweede verdieping van het paleis in een cirkel, zodat je vanaf het einde meteen weer teruggaat naar het begin. Het sterkste en, objectief gezien, meest interessante deel is een groot aantal echte afbeeldingen, voornamelijk gravures, uit de collectie van "Tsaritsyn" zelf, evenals het State Research Institute of the Academy of Sciences vernoemd naar A. V. Shchusev, State Academic Bolshoi Theatre, Bakhrushin Museum, en uit twee privécollecties. Heel veel Piranesi, en die uit de Tsaritsyn-collectie - zo lijkt het, is niet erg beroemd; Gonzaga, Bibiena; Bogaevsky; er zijn Cranach en twee Italiaanse prenten uit de 16e eeuw. De decors van Nicholas Benois voor de productie van A Midsummer Night's Dream in het Bolshoi Theatre in 1965, die duidelijk de gelijkenis van de gotische zaal en het mastbos laten zien, maken een verrassende indruk - ze worden voor het eerst tentoongesteld. Een serie gegraveerde vellen scenografie door Johann Kharms voor het ballet uit 1678 "On the Meeting and Movement of Seven Planets", opgevoerd aan het hof van de Saksische keurvorst Johann George II, werd onlangs verworven door het Tsaritsyno Museum, en conservator Sergei Khachaturov en zijn co-curator Daria Kolpashnikova schreef het toe. Plus de relatief bekende, maar geliefde vellen van Brodsky / Utkin en Yuri Avvakumovs opvouwbare kaartenhuis.
Het meest interessante van de tentoonstelling is om de details van deze gravures te onderzoeken, in die zin valt het in dezelfde trend als de recente tentoonstellingen van aquarellen in het Historisch Museum en de Tretjakovgalerij: ze zijn beslist ontworpen voor een amateur, een persoon die klaar staat om urenlang te 'hangen' aan een of andere bizar getekende of een kolom of een levende aquarelstreek van Gonzaga op een stuk papier ter grootte van een paar luciferdoosjes - er is hier genoeg van dergelijk materiaal, vreugde voor de ogen en de geest is voorzien. Bovendien zijn er onder de getoonde bladen en series nogal wat ontdekkingen - dat wil zeggen dingen die nog niet eerder op grote schaal zijn tentoongesteld. De curator zegt dat de grafische collectie van Tsaritsyn nog nooit zo volledig is getoond. Kortom, er is zeker iets te zien en te bewonderen voor fijnproevers. Maar de meerderheid van Tsaritsyns bezoekers behoort niet tot hen, de "plaatjes" worden gezien als een element van wanddecoratie.
Voor hen wordt waarschijnlijk schokkend geboden - getekend door een onzekere hand, maar helder de backstage met een gegeneraliseerde versie van de karakters van computerspellen (ik liet het aan vier gamers zien, iedereen vond het moeilijk om de bron te noemen) van de kunstenaar Vladimir Kartashov. De kunstenaar is 21 jaar oud, alle dingen van 2018, de meest verse, en bezet bijna een hele zaal. Er zijn helemaal geen spaties in, je zou waarschijnlijk kunnen zeggen dat de helden zelf de ruimte van het spel bouwen, en de bezoeker kan binnen zijn, hun cirkel betreden, vooral omdat ze iets groter zijn dan de menselijke lengte. Gelegen naast de zaal gewijd aan opera seria - een serieuze opera, het product van de eeuw van verlichting, gebouwd op allegorie en, wat is er, moraliserend, het saaiste ding met weelderige versieringen - 'versieringen' van computerspeelgoed dat uit de context en uitgevoerd op de manier van naïeve schilderkunst - curator noemt ze "post-internet" - ze kunnen alleen maar choqueren.
Iemand zal zeggen: deze enge kamer toont ons de afwezigheid in de hoofden van een andere natuur, behalve het verslavende spel - noch Mars noch Venus zijn interessant voor hen, geef ze Sarah Kerrigan. Iemand zal zeggen, en heeft de curator blijkbaar al verteld dat het absoluut onmogelijk is om te exposeren naast dingen als het decor voor Prokofjevs Assepoester uit 1945, door Peter Williams, en dit is het dan. Iemand zal opmerken dat ze qua kleur erg op elkaar lijken, of zelfs onthouden: "Er is geen verhaal erger in de wereld dan de muziek van Prokofjev in ballet", herinnerend aan wat een wanhopige vernieuwer de huidige erkende klassieker was. Curator Sergei Khachaturov bouwt eigenlijk zijn hele complexe verhaal op de zoektocht naar ‘avant-gardekunstenaars uit het verleden’ en vergelijkt ze met heel jonge - en niet heel jonge, zoals Brodsky, Utkin, Avvakumov - onze tijdgenoten. Piranesi voor hem - "de eerste radicale avant-garde op het gebied van architectonisch ontwerp", Gonzaga - "een echte revolutionair van scenografische kunst." Maar het is waar, na verloop van tijd zijn de klassiekers bedekt met een onvermijdelijke laag stof en soms moet je ze een beetje "schudden", de hoeken veranderen.
Etsen van Brodsky / Utkin bestaan naast cartoons van Andrei Khrzhanovsky (dit is mijn favoriete cartoon,”roept de curator uit,“ik zag het voor het eerst in 1985), de 18e eeuw regeert zalig in de Ruina-hal. Een geheel nieuw - voor de tentoonstelling gemaakt - calqueerpapier van Alexander Brodsky grenst aan Derzhavins acrostichon "De rivier der tijden in zijn streven …"; het gebeurde zo bij toeval, roept Sergey Khachaturov uit: het vers gaat hier vooraf aan de hal van de ruïnes, en Brosky bracht op het laatste moment een tekening met een rivier van tijd …
Terwijl we bewegen, groeit de theatrale component - eerst maken we kennis met de scenografie van een 'serieuze opera', daarna - met het toneelstuk van het Juliensembl-theater over de thema's van filosofische doctrines die een moderne, niet zonder schreeuwerige, maar duidelijke parallel bouwen. met het ballet Seven Luminaries. Trouwens, hier, in de grote hal, is het absoluut noodzakelijk om de hoek om te draaien van een groot multimediascherm dat is ontworpen om details van gravures weer te geven en daar drie schilderijen te vinden van Yegor Koshelev met personages uit The Magic Flute (Queen of the Night - in een schort en met een kartonnen beker); ze vormen op hun beurt een pandanus voor de bovengenoemde helden van computerspellen, maar ze zijn academisch mooi en zelfs betoverend getekend - blijkbaar zijn ze ontworpen om de hint die in het begin werd gegeven op computerspellen om te zetten in datgene waar de curator echt in geïnteresseerd is - tot moderne kunst en theater, waarvan er nog veel meer zijn. En tot slot is de laatste zaal volledig theatraal, bezet door een grootschalige versiering voor de 'Drillians' van Boris Yukhananovs Electrotheater, waar gipsgolven - 'boren' wanhopig lijken op spiraalvormige zuilen, zoals bij St. Peter in Rome, met het woord "schroef" kolommen, grillig en inspirerend, behoren tot de tentoongestelde scenografieprojecten.
Toen Nikolai Merkushev, nu professor aan Stroganov, lang geleden mij scenografie leerde; en de favoriete artiest was Valery Leventhal; toen was de opdracht van de eerste student een 'stilleven' rond het thema van het stuk: we begrepen het blijkbaar niet meteen, maar het moest niet echt een stilleven zijn, maar een soort hoop verschillende objecten die figuurlijk en onthult emotioneel het thema. Ik herinner me dat het geen eenvoudige taak was, maar het bleek steeds een soort onduidelijke stapel te zijn. De tentoonstelling lijkt op zo'n 'stilleven', alleen het resulterende, geregen op vele speculatieve draden - de verbinding van het onvolledig verbonden, het zoeken naar interne verbindingen, en hoe sterker de kloof, hoe groter de spanning en hoe scherper de waarneming, maar van tijd tot tijd pauzeren ze voor de kijker, geven 'rust'. Dompel jezelf bijvoorbeeld onder in een vrijmetselaars-tempel - voorwerpen van het vrijmetselaarsceremonieel worden bewaard in Tsaritsyno, en als ik mijn zin had, zou ik dit fragment in een permanente tentoonstelling. Of in Piranesi's karcheri, afgewisseld met Brodsky / Utkin's Columbarium.
Dit alles moet natuurlijk op de een of andere manier aan elkaar worden genaaid. Het lijkt erop dat het zeer onwennigmakende contrast en de onverwachte van juxtaposities soms als verbindend element dienen. Maar de metafysische witte decoraties van Stepan Lukyanov, de leidende kunstenaar van het Stanislavsky Electrotheatre, die piramides bouwde in de vrijmetselaars-tempel, in de paviljoenzaal - een brug vergelijkbaar met de Venetiaanse, in de ruïnehal, een ruïne toren van Désert de Retz onder Parijs. De hele tentoonstelling wordt zo een scenografisch werk, een verhaal over het leven en de mogelijkheden van denkbeeldige architectuur - een volumetrische versie van de performance van Pietro di Gottardo Gonzaga, die alleen uit schilderijen bestaat, maar daarom niet minder emotioneel en daaruit sprekend. Het is, net als een barokke opera of ballet, gebaseerd op een reeks thema's die sterk verband houden met de persoonlijkheid van de curator - een historicus van moderne architectuur, maar ook een kenner van hedendaagse kunst en theater. In de derde zaal wordt ons verteld dat de barokke scenografie gebouwd is op herhalende thema's: het paleis, de kerker … De tentoonstelling is, net als een performance, ook opgebouwd rond thema's, en ze zijn deels ontleend aan de barokke scenografie, deels uit de parkcultuur en -cultuur van het Verlichtingstijdperk in het algemeen - de vrijmetselaars-tempel, het paviljoen, ruïne, - dingen die als belangrijk werden beschouwd voor de ontwikkeling van persoonlijkheid, 'leren', dat wil zeggen, zoals we nu zouden zeggen, persoonlijke groei en de ontwikkeling van emotionele intelligentie.
Het was ook onmogelijk om gewoon te spreken, herhaalde uitleg: veel begeleidende teksten zijn een soort libretto voor de tentoonstelling, ze laten je het lezen als een boek, de curator belooft zelf excursies te leiden (je moet op zoek gaan naar advertenties op Facebook), is een gids op het Izi. Travel-platform aan de tentoonstelling toegevoegd.
