Het parallelprogramma van de XIV Architectuurbiënnale van Venetië omvatte een expositie die niets te maken lijkt te hebben met de kunst van de architectuur. Dit verwijst naar de tentoonstelling "Aan de andere kant van de rode deur" van de leidende figuur van de onofficiële kunst van de USSR Mikhail Roginsky. Zijn werken van 1978-2001, de periode van de Parijse emigratie, werden gebracht door de Mikhail Roginsky Foundation en in artibus, geleid door de beschermheilige Inna Bazhenova. De expositie werd voorbereid in samenwerking met de meestersweduwe Liana Shelia-Roginskaya.
Waarom is een schilder op de Architectuur Biënnale? Zo eenvoudig is het niet. De curator van de tentoonstelling Elena Rudenko legde uit dat Roginsky's strategie om de wereld op te splitsen in pre-elementen (deur, tafel, plank, stoel, badkuip, fles) vrij consistent is met het idee van Fundamentals, dat werd geformuleerd door de curator van de Biënnale Rem Koolhaas en bepaalden de richting van de hoofdtentoonstelling van het festival.
Zoals we ons herinneren, heet de hoofdtentoonstelling in het centrale paviljoen van Giardini Elements of Architecture. Ze presenteert een bepaalde catalogus met modules waaruit het gebouw is samengesteld: plafond, raam, vloer, balkon, badkamer, deur, enz. De tentoonstelling is opmerkelijk als voorbeeld van architectuurpropedeuse, een driedimensionaal leerboek voor het onderwijzen van het alfabet van architectonische vormen. Encyclopedische artikelen, die de demonstratie van monsters van daken en toiletten begeleiden, zouden de basis kunnen worden voor de abstracts van enkele nieuwsgierige jonge mannen en vrouwen van architecturale hogescholen en universiteiten. Het probleem is dat bij het communiceren met deze encyclopedie van elementen er geen persoonlijke emotie en de toespraak van de auteur van de kunstenaar-maker is. Roginsky's uiteenzetting lost dit probleem op. Hij gaat ook over protovormen van ons wezen en leven. Elk van hen is echter vastgelegd in een portret en geladen met de levensenergie die de kunstenaar zelf heeft gewonnen.
Wie de Ka'Foscari Universiteit binnengaat, waar Roginsky's tentoonstelling zich bevindt, wordt begroet door zijn legendarische rode "Door". Dit is een object uit 1965. Niet gevonden, zoals je in eerste instantie zou denken, maar met opzet gemaakt en absoluut "portret" hebben, zoals Malevich's "Zwarte Vierkant", plasticiteit en zelfs gezichtsuitdrukkingen. Het werk met het oppervlak is magnifiek, dat door de kunstenaar zo is voorbereid dat sieraden (met veel aandacht voor alle bramen, verfdruppels en craquelé) dat het ruwe product de kwaliteit krijgt van een uniek juweel, zoiets als een versleuteld zelfportret van de auteur.
Dus, al voor de deur, verwerft de bezoeker van de tentoonstelling een dimensie van de mensheid in communicatie met het internationale modernisme van blokhuizen en standaardappartementen, onverschillig voor dit probleem. Verdere beweging ondersteunt en ontwikkelt dit thema van “het meten van de mensheid”. Het is geweldig dat de architectuur van de tentoonstelling werd gedaan door de goeroe van het Russische modernisme, Evgeny Ass. Hij plaatste het werk op twee verdiepingen. De lay-out van de hoofdsuite van Ca'Foscari University is eenvoudig: een grote gang met uitzicht op het Canal Grande. Parallel daaraan is er een aaneenschakeling van kleine middeleeuwse kamers met houten plafonds en soms open haarden. Ass maakte opzettelijk de ervaring van ruimte moeilijk. Hij sneed alle suites met houten valse muren. Elke kamer gebouwd in de oudheid werd geschilderd in de kleur van Roginsky's schilderij (zachte tinten roze, groen, donkerblauw, melkwit, oker). Het bleek zoiets als een labyrint te zijn. De kijker dwaalt door de hoeken en gaten van het bewustzijn van een bewoner van Sovjetchroesjtsjov en gemeenschappelijke appartementen. Het gesprek wordt gevoerd door dingen die de kamers van dergelijke appartementen bewonen.
Een vraag aan Evgeny Assu
Archi.ru:
- Evgeny Viktorovich, welk effect wilde je bereiken in het expositieproject?
Evgeny ezel:
- Effect is niet het juiste woord - ik probeerde een zekere sympathie te bereiken in de tentoonstellingsruimte van Roginsky's schilderij. En ik zou het niet hebben over het labyrint, maar over het moeilijke traject van beweging binnen de pittoreske ruimte. De gebroken vormen van de zalen, dramatische ruimtelijke overgangen (alle openingen zijn anders gemaakt), onregelmatig ophangen van werken - voor mij is dit alles de "architectuur van de schilderkunst" van Roginsky.
Er zijn veel dingen in de kamers en ze worden in secties verzameld. De eerste is "ABC van tweedimensionaliteit". Werkt 1978-1980. Planken met flessen en schalen. Opzettelijk brutaal geverfd met goedkoop acryl op goedkoop papier of karton. Begiftigd met een soort dierlijke, primitieve kracht. Wild schilderen is verwant aan het fauvisme: de schijnbare nalatigheid van de oorsprong van de meest aristocratische. De precisie en diepte van kleur en de schoonheid van tonale relaties werken als een zonovergoten glas-in-loodraam.
In de sectie “Interieur. Landschap. Figure in Space”toont werken uit 1981-1982. Dit is een visuele reconstructie door Roginsky van de appartementen die bekend waren uit de Sovjetjaren. De kunstenaar woonde al in Parijs en schilderde kamers met een lampenkap, badkamers en trappen uit zijn hoofd. Hij wilde niemand een plezier doen. Zijn credo was om kunst te bevrijden van schoonheid en kunstmatigheid, om de afstand tussen schilderkunst en leven zoveel mogelijk uit te wissen. Ze hebben tenslotte één levende affiniteit. Daarom zijn de interieurs opzettelijk arm en kwetsbaar. Met rokerige baden, stoffige radiatoren, ruwe tafels en scheve trapladders. Schilderijen van twee meter zijn gemaakt op papier met acrylverf in een bijna monochrome techniek: grijs getint met roze. Desalniettemin, als we met onze ogen deze interieurs binnengaan, voelen we geen minderwaardigheid en ongemak. Subtiel werk met ruimte en delicate nuances van het oppervlak binnen dezelfde toon maken het schilderij voortreffelijk en zeer nobel. Het is niet anders in deze gemeenschappelijke interieurs van het Sovjetmodernisme, stukjes intellectuele geschillen over Bakhtin en Shklovsky (ze werden precies in de ruimte van gemeenschappelijke keukens gevoerd).
Eén werk op de tentoonstelling verwijst nauwkeurig naar een mogelijke sympathisant van Roginsky in de zin van het creëren van een opzettelijk lelijk en grof, maar tegelijkertijd verfijnd en mooi in subtiliteit belichaming van kunst. Dit werk is "Kapper". In de mist van de ochtendschemering knipt een Sovjet-kapper behendig het haar van een klant die voor een spiegel zit. Nou, in dit geval is Roginsky's tegenhanger natuurlijk Michail Fedorovitsj Larionov met zijn kappers, de onhandige pantomime van het leven in provinciesteden, opzettelijk ongekunstelde schilderkunst en daarmee een verbluffende cultuur van kleur en ruimte. Roginsky en Larionov zijn verenigd door het begrip van de gewone en banale stedelijke omgeving als een unieke bron van artistieke ideeën en beelden.
Tegenwoordig is er, zowel in Rusland als in de wereld, een proces van rehabilitatie van die onpersoonlijke blokkerige architectuur van de jaren zestig - tachtig, die voorlopig in de intelligentsia onfatsoenlijk was om lief te hebben, en om te haten was Bonton. Tegenwoordig is de jongere generatie precies in de tweede golf van het naoorlogse modernisme op zoek naar voorbeelden van een anti-burgerlijke stijl die reageert op sociale problemen. Veel paviljoens van de huidige Biënnale zijn gewijd aan de modernistische gebouwen van de landen van de jaren zestig - tachtig.
Hoe inspireer je de kijker om in aanraking te komen met deze onverschillige architectuur? Hoe haar te animeren? Roginsky helpt om het antwoord te vinden. Het laatste deel van de tentoonstelling heet "The Returned Painting" (1991-2001). Het toont schilderijen (canvas, olie) met uitzicht op de hoeken van Moskou, die de in Parijs wonende kunstenaar uit zijn hoofd schreef. Roze huizen met rijen identieke ramen, blauwe kazernes, grijze straten en ingangen zouden er deprimerend en vreugdeloos uitzien als er niet de energie van liefde en mededogen was die van elk doek uitgaat. Aan de wereld die de kunstenaar lang geleden verliet, maar die hem zijn hele leven bijbleef.
De tentoonstelling is te zien tot en met 28 september.
