Moe van het cureren door critici, theoretici en andere bijna architectonische mensen, vertrouwde de Biënnale 10 jaar na Massimiliano Fuksas zichzelf opnieuw toe aan de handen van een architect. Kazuyo Sejima is een beroemde Japanse architect, een van de oprichters van het architectenbureau SANAA, de auteur van de gebouwen van verschillende grote musea, waaronder het New Museum in New York, evenals het Serpentine Gallery Pavilion 2009, winnaar van de Gouden 2004 Lion, die kort na haar benoeming tot curator van de Biënnale de Pritzkerprijs ontving. Ze is ook de eerste vrouwelijke curator in de geschiedenis van de tentoonstelling. Maar het belangrijkste is volgens de directeur van de biënnale, Paolo Baratta, dat ze een praktiserend architect is. Sejima weerspiegelt dit in zijn curatoriële boodschap, die begint met "De Biënnale van 2010 zal een reflectie zijn op architectuur."
In tegenstelling tot het raadselachtige motto 'beyond building' van zijn voorganger, curator Aaron Betsky in 2008, die de helft van de deelnemers niet echt begreep en de andere helft negeerde, stelde Kazuyo Sejima dit jaar een eenvoudige en toegankelijke slogan voor: "People meet in architectuur ', die niet bijzonder bindend is. Het is duidelijk dat er twee dingen in zijn verenigd - architectuur, waarnaar de Biënnale blijkbaar serieus wil terugkeren, en voor de architectuur voor de verandering voor de verandering een soort subtiele sociologische noot. Het is immers onmogelijk om het hoofdonderwerp van de tentoonstelling volledig te verabsoluteren; er moet iets aan worden toegevoegd. Architectuur voor iets, maar ze bouwen bijvoorbeeld, zodat mensen elkaar daar ontmoeten. Vanaf hier is een directe weg naar de openbare gebouwen die de portefeuille van de curator zo mooi sieren. Naast het motto schetste Sejima verschillende aanvullende betekenissen: de focus van de tentoonstelling is de reactie van de moderne architectuur op de veranderingen die de 21ste eeuw teweeg heeft gebracht, op informatisering en globalisering; de grenzen die architectuur aangeeft of uitwist; en de kwaliteit van de gebouwde architectuur - voegt Paolo Baratta toe in zijn bericht. Dus, na een lange zoektocht naar de waarheid "aan de kant", keert de belangrijkste architectuurtentoonstelling van de wereld (en de Biënnale van Venetië natuurlijk zo) terug naar het hoofdonderwerp, geleid door een zachte en onopvallende vrouwenhand.. De curatoriële expositie heeft in totaal 48 deelnemers, waaronder niet alleen architecten, maar ook ingenieursbureaus.
Met betrekking tot de belangrijkste expositie van de curator, die op de Biënnale altijd wordt gehouden in het Corderie Arsenal-gebouw, verklaarde Sejima de vrijheid van de deelnemers door in het manifest te zeggen dat elke deelnemer "zijn eigen curator" zal zijn binnen het "onafhankelijke" fragment van het arsenaal. interieur toegewezen aan hem. Diversiteit is beter dan verenigende wil, zegt de curator; in één woord, doe wat je wilt … Volledige vrijheid; hoewel je als je door de tentoonstelling loopt, begrijpt dat dit niet helemaal waar is.
Een bezoeker die de eerste hal van het curatorengedeelte van de Biënnale betreedt, wordt begroet door een gigantisch stenen hart dat door een houten bijl is gesneden - de bijl blijkt bij nader inzien een toevluchtsoord te zijn met een schoorsteen die omhoog gaat, een metafoor voor de tragedie van de recente Chileense aardbeving (een gedetailleerd verhaal over herstel na de ramp is verder te vinden op de ruimte Arsenal-expositie van het Chileense paviljoen). Twee jaar geleden werd de expositie Arsenal geopend met een grappige film- en video-installatie; in tegenstelling tot de herinnering aan haar, is het hart van steen erg groot, ruw, ruw en serieus. Dit is een soort gigantisch object, daarnaast voel je je alsof je in de grot van een kannibaal bent en stem je onvermijdelijk serieus af. De pilaren van het Arsenaal beginnen op zuilen van een romaanse basiliek te lijken, en in het algemeen wordt de gelijkenis van deze beroemde tentoonstellingsruimte met een tempel op de een of andere manier versterkt. Het is mogelijk dat dit is wat de bedoeling was.
Direct achter de stenen bijl bevindt zich een compacte bioscoopzaal met een film van Wim Wenders, waar snel doorheen gelopen kan worden om kennis te maken met een nog groter onderwerp van Ensamble Studio en zijn hoofd Anton García-Abril. Onder de rijen kolommen door en het rechte pad blokkeren, rusten twee gigantische I-balken in de ruimte van de hal, vergelijkbaar met rails en te oordelen naar hun grijze kleur, hoogstwaarschijnlijk beton. De ene gigantische balk ligt op de andere en het vrije uiteinde rust op een veer zo groot als een gemiddelde man. De lente ondersteunt natuurlijk niet echt iets, kinderen spelen er mee, maar het ziet er erg indrukwekkend uit. Dit kan geen "veer" worden genoemd; en als in de allereerste hal de schaal van het daar geplaatste sculpturale object overeenkwam met de grootte van het interieur, dan lijkt dit zelfs voor een arsenaal interieur te groot, overtreft en onderdrukt het zelfs een beetje.
Van zo'n progressieve groei, denk je onwillekeurig - mijn God, wat zal er daarna gebeuren. Maar dan bevinden we ons in een wolk ('levensgroot' - zoals vermeld in het manifest van de curator), gezamenlijk gebouwd door de Japanse architect Tetsuo Kondo en ingenieur Matthias Schuler van het Duitse bedrijf Transsolar, gespecialiseerd in klimaattechniek (wetende de specifieke kenmerken van het bedrijf, het is gemakkelijk te raden waarom de wolk; klimaatbeheersing sloop het Arsenaal binnen en regelde zijn eigen weer erin …). De hal is gevuld met een witachtige nevel die door speciale installaties door de gaten in de muur wordt gepompt. De mist verspreidt zich ter hoogte van de galerijen en in het midden is een spiraalvormige structuur gebouwd, klimmend waarlangs je door de wolk kunt gaan en er van bovenaf naar kunt kijken. De wolk verspreidt zich in gelaagde flarden, het is er benauwd boven, zoals in een bad, maar het effect is prachtig. Het is waar dat Moskovieten pas in augustus een soortgelijk effect ondervonden met de komst van rook in de stad; in het Arsenal is deze wolk echter dikker, schijnbaar veilig.
De curator interpreteert het gezamenlijke werk van zijn landgenoot en een Duitse ingenieur als volgt: het duwt ons naar een nieuw begrip van de ruimte, al was het maar omdat de grenzen van de cloud vervagen. De grenzen zijn inderdaad vervaagd, hoewel ze ingesloten zijn in het raamwerk van de hal. Duiken in de mist is leuk; maar het is onmogelijk om niet te herinneren wat de wolken al hebben gedaan - allereerst de beroemde architecten-kunstenaars Elizabeth Diller en Ricardo Scofidio. Misschien is dat de reden waarom de curator in zijn boodschap subtiel opmerkt: niet alle installaties zijn origineel qua stijl, maar velen vertegenwoordigen het toppunt van moderne technologie.
De Indiase studio Mumbai maakte de volgende grote hal met stukjes houten modellen en hing klassieke ventilatoren met drie bladen aan het plafond, waardoor het een 'werkplaats' werd - maar voor zo'n grote ruimte zijn dingen nog steeds niet genoeg, een vol- volwaardige illusie van artistieke blokkades ontstaat niet; het bleek, in vergelijking met de eerste installaties, tamelijk klein, maar gezellig.
R & Sie (n), het Parijse architectenbureau François Roche en Stéphane Laveau, die twee jaar geleden witte modellen van bionische sculptuurgebouwen in het Italiaanse paviljoen lieten zien, lieten een van hun bizarre wezens los in de Arsenal-kamer en veranderden deze in een tafel op poten. Aan de ene kant is dit Marsbeest bedekt met glasgroei, gloeiend met een groenachtig licht, monitoren ontkiemen vanaf het andere uiteinde, in het midden boven een stuk van een veelkleurig pseudo-mineraal piept een apparaat dat lijkt op een geigerteller. In de uitleg herinneren de auteurs zich Tarkovsky's "Stalker" en praten over de grenzen van de verworvenheden van de beschaving - waarschijnlijk zou deze installatie moeten reageren op de scriptie van de curator over "grenzen". Omdat het, in tegenstelling tot zijn buren, op geen enkele manier invloed heeft op de ruimte; het toont ons eerder een exotische inwoner die binnen leeft.
Maar de hal van Olafur Eliasson is zeer effectief: in het donker hangen drie slangen aan het plafond, die zich verspreiden rond de grillig kronkelende waterstralen, te onderscheiden in de nerveuze flitsen van stroboscopisch licht. De exotische douche is betoverend, maar moeilijk te fotograferen. Ik moet zeggen dat Sejima's woorden dat veel afbeeldingen niet nieuw zullen zijn, echt waar zijn - Eliasson maakte de eerste soortgelijke douche in 1996.
Verder - weer licht, een houten frame van een platte koepel van een Chinees bureau met de Franse naam Amator (wat amateur betekent). Inderdaad, het was alsof de amateurs deze matrijzen samen met bouten verdraaiden; maar juist het vermogen om de grens van de koepel over te steken, waar het meestal onmogelijk is om deze over te steken en letterlijk "de koepel binnen te gaan", is nogal merkwaardig (nogmaals, grenzen).
Aan deze lijn moeten we de Jeanette Cardiff Music Hall toevoegen, waar luidsprekers in een cirkel zijn geplaatst en in het midden stoelen om naar de resulterende (volumetrische? Architecturale?) Muziek te luisteren. En de kit is compleet. Hier zijn slechts een paar van wat?
De beloofde architectuur erin lijkt op het eerste gezicht niet voldoende. Dat wil zeggen, traditionele lay-outs en tablets in een gemeenschappelijke volgorde worden natuurlijk gevonden: het meest opvallende voor het Russische oog is het wedstrijdproject van het Perm Museum-gebouw van Valerio Oljati, het meest opvallende voor het oog in het algemeen is de Taichung Opera project van Toyo Ito. Dit gebouw, dat eruitziet als een klein fragment uit een zeer grote termietenheuvel (tenslotte China), wordt tot in de puntjes verzorgd en wordt geleverd met volledige documentatie die op de tafels ligt in de vorm van dikke albums in de taal van de auteur. Maar het zo gedetailleerd getoonde project is een uitzondering en mogelijk een gevolg van de door de curator verklaarde vrijheid. De expositie van het Arsenal wordt bovendien gevormd door installaties die bovendien niet altijd door architecten zijn gemaakt, maar zoals we zien door ingenieurs en vaker door kunstenaars die professioneel en goed in dit genre werken. Bijvoorbeeld, Olafur Eliasson - in zijn portfolio zijn er veel goede en verschillende, meestal grootschalige installaties (er zijn trouwens verschillende "wolken" daar, Dealer en Scofidio zijn niet de enigen in dit genre). Matthias Schuler is een ingenieur. Dat wil zeggen, de curatoriële tentoonstelling in het Arsenal is op geen enkele manier een tentoonstelling van architecten geworden.
Dit betekent niet dat er geen architectuur in zit. Het lijkt mij dat Kazuo Sejima, als auteur van museumruimten, de hele tentoonstelling in architectuur als geheel veranderde: ze ontwierp het niet als ontwerper en componeerde het zelfs niet als curator, maar bouwde het, waarbij ze de meeste van de installaties tot een ketting waarin elke deelnemer zijn eigen manier biedt om de ruimte van het Arsenaal artistiek te begrijpen. Zo werd het Arsenaal zelf de hoofdtentoonstelling. En ik moet zeggen dat de houding ten opzichte van deze tentoonstellingsruimte paradoxaal is - iedereen houdt er erg van, maar door er tentoonstellingen in te organiseren, besteden ze er weinig aandacht aan, gewoon iets erin plaatsen. Arsenal is waarschijnlijk beledigd door dergelijke minachting, ziet er somber uit en drukt het publiek met schaal aan. Maar hij is goed in zichzelf, en het is fijn dat de nieuwe curator dat heeft gemerkt.
In dit geval toont de expositie van de curator niet zozeer architectuur als wel zelf. En de passage door de tentoonstelling wordt niet lezen, geen contemplatie en niet kijken, maar - onderdompeling in architectuur (zo ondergedompeld in een vreemde taal). En de deelnemers aan de expositie, "zogenaamd vrije" kunstenaars en ingenieurs, werden voor Sejima het middel tot architectonisch begrip van de ruimte van het Arsenaal. Wat trouwens waar is als we bedenken dat architectuur de belangrijkste kunst is, en dat de rest er ooit aan gehoorzaamde. Hier is een curator van SANAA en bedwong ze allemaal, maar heel, heel onopvallend. Ze regelde de expositie niet in het interieur, maar vulde de ruimte met inhoud. Het interieur van het Arsenaal, alsof het haar beantwoordde, meedeed in de rol van de "hoofdtentoonstelling" en aangenamer werd. Nu wil ik er in ieder geval naar kijken en de lange doortocht door het Arsenaal is dit keer niet zo vermoeiend als twee jaar geleden.
Misschien komt dit door het feit dat het veel holtes heeft en niet erg veel inhoud - een vaste vorm, en zelfs dat gewichtloze, Japans-Shinto: licht, duisternis (van binnen verweven zoals yin en yang), steen, wolk, water, geluid … Je kunt waarschijnlijk zelfs zeggen dat Sejima een aantal reproducties van reeds bekende installaties in het Arsenaal heeft gemaakt en ze gebruikte als middel voor een architect om met ongrijpbare elementen te werken, om de ongrijpbare, verblindende, schaduwdingen vast te leggen waarin de Japanse cultuur zo is. sterk. Het is de moeite waard om te ervaren terwijl je bij Arsenal bent.
Als geheel en een reflectie op de belangrijkste elementen wordt de tentoonstelling goed ontvangen. Woorden ontbreken echter een beetje; er zijn belangrijke - zoals ruimte en grens, waar Sejima het constant over heeft, ook tijdens de persconferentie van gisteren. Alle andere woorden worden verzameld op "strikt aangewezen plaatsen"; Arsenal heeft een interviewkamer vol stoelen en monitoren met koptelefoons - liefhebbers van woorden kunnen daar heel lang genieten van toespraken, de lijst met sprekers beslaat een hele muur.
Kortom, de curatoriële tentoonstelling in het Arsenal lijkt terecht te worden gezien als een ander architectonisch werk van SANAA.
Voor het overige is de structuur van de tentoonstelling, die velen bekend zijn, ongewijzigd gebleven. Curatortentoonstelling in het Arsenaal, in het voormalige "paviljoen van Italië", omgedoopt tot Palazzo Espozicione (Paleis van tentoonstellingen); tentoonstellingen van nationale paviljoens in Giardini en een "parallel programma" in de stad. De huidige Biënnale is tot op zekere hoogte een jubileum - 35 jaar zijn verstreken sinds de eerste architectuurtentoonstelling van de cyclus van de Biënnale van Venetië. Vandaar de jubileumevenementen en herinneringen aan biënnales uit het verleden. In de Column Hall van het Palazzo Justinian (het paleis waar het hoofdkwartier van het organiserend comité van de Biënnale is gevestigd), opende gisteren een tentoonstelling over de geschiedenis van de laatste 11 jaar van de Biënnale van Venetië, een soort rapport over de verwezenlijkingen van de Venetiaanse tentoonstellingseconomie; het herbergt ook de LUMA-tentoonstelling, waar Frank Gehry's "architectuurprogramma voor een nieuw cultureel model" wordt gepresenteerd.
Een ander onderdeel van het jubileumprogramma van de Biënnale zal "Architectural Saturdays" zijn - zoals het persbericht van de organisatoren zegt, zullen er in Venetië gedurende drie maanden op zaterdag ontmoetingen zijn met belangrijke figuren van eerdere tentoonstellingen, waaronder de curatoren van de vorige Biënnales. Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
We zijn van plan om geleidelijk meer gedetailleerde verslagen te publiceren over de tentoonstellingen en evenementen van de Biënnale. De tentoonstelling loopt tot en met 21 november.
