Hani Rashid kwam naar Moskou om een lezing 'Moscow Experience' te geven als onderdeel van het Strelka Institute for Media, Architecture and Design Summer Program.
Archi.ru:
In Moskou is iedereen erg geïnteresseerd in uw toekomstige museum in ZIL - een tak van de Hermitage. We hebben nog geen museumgebouw met meerdere verdiepingen, en dergelijke gebouwen zijn zeldzaam in de wereld. Hoe ga je de showrooms verdelen over vloeren, over elkaar of anderszins?
- Een van de belangrijkste ideeën bij het oplossen van ons project was dat we een nieuwe houding voorstelden over hoe we naar kunst moeten kijken, hoe we het moeten zien. Voor "traditionele" hedendaagse kunst zal het gebouw "gewone" galerijen hebben, met witte muren, heldere, doorlopende ruimte, enzovoort. Tegelijkertijd zullen er echter minder bekende ruimtes zijn waar de bezoeker zich doorheen beweegt en waar kunstenaars worden uitgenodigd om unieke werken te maken en eventueel experimenten uit te voeren. Ook heeft het museum ruimtes gepland die geschikt zijn voor het tentoonstellen van zeer grote werken, mogelijk tot bijvoorbeeld 30 m hoog.
Als je nadenkt over de geschiedenis van museumarchitectuur en hoe mensen kunst in de openbare ruimte bekeken in termen van geschiedenis en traditie, is het belangrijk om oudere musea in deze context te analyseren. In de 18e en 19e eeuw werd de relatie tussen de toeschouwer en het kunstwerk gezien als iets heiligs en in veel opzichten volgt de huidige 'galerieruimte' een dergelijke dynamiek en houding. Tegelijkertijd is dit soort visuele ervaring vaak in twijfel getrokken, het belangrijkste voorbeeld uit het midden van de 20e eeuw - het beroemde Frank Lloyd Wright Guggenheim Museum in New York. Allereerst creëerde de rotonde van dit museum een nieuwe relatie tussen de kijker en kunst, waar kunst niet alleen vanuit verschillende hoeken en verschillende, unieke perspectieven kon worden bekeken, maar ook de bezoekers van het museum werden tentoongesteld en daarmee de collectieve beleving aanvulde. van kunst. Verder creëerden in de Turbine Workshop van het Tate Modern in Londen grootschalige werken die speciaal voor hem in opdracht waren gemaakt 'evenementen' die bezoekers [in hun baan] trokken, waardoor de ervaring van het bekijken van kunst werd getransformeerd van een passief in een actief en zelfs interactief ervaring en presentatie.
Specifiek sprekend over dit aspect van ons museumproject, wilden we de ervaring van het 'kijken' naar kunst in goed ontworpen kamers (met goed doordachte verlichting, enz.) Combineren met de 'willekeurige' acties van bezoekers die ook uitgenodigd om te bewegen binnen verschillende tussenliggende architecturale volumes en door hen om op een unieke manier naar kunst te kijken - vanuit verschillende perspectieven die geheel nieuwe lezingen en, naar ik hoop, nieuwe inzichten bevorderen. Door de planning en het functionele programma van het museum, op deze manier ontworpen - als 'loskoppelen' of misschien zelfs 'breken' - ontstaat een reeks kamers en leegtes, die, één voor één genomen, bepaalde 'verwachtingen' over hoe een museum voor hedendaagse kunst moet worden gezien. Bijvoorbeeld het idee van een centraal atrium als autoritair en duidelijk gedefinieerd, dat in het midden van de vorige eeuw werd opgericht door het New York Guggenheim en verder werd benadrukt door Frank Gehry's Guggenheim in Bilbao, voor wiens project het de sleutel is. Veel nieuwe musea gebruiken tegenwoordig het atrium als een pad waarlangs white box-galerijen zich bevinden. Dit is in feite problematisch voor ons als manier om kunst te ervaren - het is een cliché dat opnieuw in twijfel moet worden getrokken.
In verband met het hele grondgebied van ZIL is er een probleem: het wordt een bijna volledig nieuw gebied en dergelijke gebouwen zijn vaak levenloos en kunstmatig. Je hebt veel projecten van nieuwe territoria voor verschillende steden van de wereld. Hoe kan deze kunstmatigheid bij nieuwbouw worden voorkomen?
- (EN) Ik ben het ermee eens dat het moeilijk kan zijn om dit syndroom te voorkomen als economie en politiek de motor zijn voor dergelijke projecten. Ondertussen, in het geval van ZIL, zijn zowel de auteur van het algemene plan Yuri Grigoryan met zijn Megan-bureau als onze cliënt Andrey Molchanov en zijn LSR Group erg geïnteresseerd in het vermijden van een dergelijk probleem. Vanaf het allereerste begin vroegen ze ons om empathisch en attent te zijn over het ZIL-territorium, inclusief de gebouwen, de geschiedenis en het erfgoed, terwijl we tegelijkertijd de opdracht kregen om in deze context iets nieuws, 'verfrissends' en krachtig te ontwerpen - als integraal katalysator ontwikkeling van dit gebied. Dit is ons doel.
Ons gebouw voor het Hermitage Modern Contemporary Museum komt aan de Boulevard of Arts, die centraal staat in het masterplan van Yuri Grigoryan. Het leven op ZIL zal worden georganiseerd rond cultuur, inclusief hedendaagse en hedendaagse kunst. Het [bestaan van] het museum geeft aan dat de ontwikkeling van dit gebied inderdaad als een belangrijk cultureel project wordt gezien. Ik denk dat dit eigenlijk het hoofdidee is van Andrei Molchanov - om dit op het hele grondgebied van ZIL te bereiken. Het nieuwe museum, samen met andere culturele objecten die voor dit gebied zijn gepland, is ontworpen om de mogelijke levenloosheid en onvruchtbaarheid te vermijden die kenmerkend zijn voor sommige van de nieuwe gebieden.
Komt er nog een gebouw op ZIL, een woonwolkenkrabber van 150 meter?
- De ZIL-toren is een zeer elegant staaltje moderne architectuur, in tegenstelling tot elk ander gebouw ter wereld. Ik denk dat het een unieke toevoeging zal zijn aan het landschap van Moskou.
In beide projecten voor het ZIL-gebied hebben we de geschiedenis ervan bestudeerd in relatie tot de Russische moderniteit en de kunstgeschiedenis van deze periode. Zelf bewonder ik de constructivisten, vooral de constructivistische kunstenaar Gustav Klutsis. Klutsis creëerde aan het begin van de 20e eeuw zeer interessante "radiosprekers" en andere werken. Ons ontwerp voor de toren bij ZIL werd beïnvloed door deze dynamische en krachtige structuren, evenals door schilderijen en ander werk van Vladimir Tatlin, El Lissitzky en verschillende andere meesters van deze belangrijke periode in de geschiedenis van kunst en architectuur in Rusland.
Zowel de toren als het museum zijn ook tot stand gekomen onder invloed van ZIL zelf, zijn oude ateliers, opmerkelijke geschiedenis en erfgoed. Ik heb de ongelooflijke film 'The Man with a Movie Camera' van Dziga Vertov vele malen bekeken om de gevoelens en emoties beter te begrijpen, evenals de dynamiek en esthetiek die kunnen worden getrokken uit de oude energie van het autoassemblageproces en de pracht hiervan. fabrieken - vooral ZIL.
Ons museumproject was ook geïnspireerd door het Russische constructivisme, vooral door de spreekwoorden van El Lissitzky. In beide gevallen - de toren en het museum - zijn directe citaten en uitgesproken esthetische overeenkomsten echter niet voor de hand liggend en niet bedoeld. Dit zijn geen postmoderne projecten, en het is niet onze bedoeling om deze werken eruit te laten zien als gebouwen uit het constructivistische tijdperk, gebouwen uit het verleden in het algemeen. We proberen eerder de geest te doen ontwaken - de basis van zoveel radicale ideeën die de constructivisten hebben uitgedrukt in hun krachtige, revolutionaire formele benadering van werkelijk dynamische ruimtelijkheid.
Het ontwerp van het museum is ook geïnspireerd door wat meer onverwachte bronnen, waaronder 19e-eeuwse Russische landschapsschilderkunst. De prachtige en tegelijkertijd "hardnekkige" landschappen van deze tijd hebben een sterke innerlijke gloed en het effect van de sfeer. Ik zou graag willen dat dit gebouw deze sensaties ook oproept - in combinatie met geïnspireerde interieurvolumes en ruimtelijkheid.
Een ander belangrijk aspect om rekening mee te houden bij de bespreking van het museum en de toren is het zeer stedelijke concept van de Boulevard of Arts, waar de nadruk vooral zal liggen op culturele instellingen, waaronder een centrum voor podiumkunsten, een poppentheater, een groot 'kunstpark' en andere projecten. Het hele plan voor ZIL is het resultaat van de visie van Andrey Molchanov, die echt begrijpt dat woningbouw een diepere reflectie vereist op andere aspecten van de menselijke maat.
Molchanov reisde speciaal naar New York en Los Angeles, evenals naar verschillende Europese steden, om "internationale" architecten uit te nodigen om projecten voor ZIL te maken. Hij vroeg ons in het bijzonder om iets heel speciaals te creëren en heel gevoelig voor de geschiedenis van Moskou en ZIL.
Ik geloof dat Molchanov zich terdege bewust is van de eigenaardigheden van de situatie wanneer vooraanstaande architecten uit het buitenland worden uitgenodigd om "lokaal" te werken - dat we in dit geval vooral letten op de speciale eigenschappen van een plaats en een stad. We werden gevraagd om twee zeer sterke en aantrekkelijke gebouwen te ontwerpen, grenzend aan andere goed doordachte gebouwen, interessante woonprojecten en openbare ruimtes. Ik moet hieraan toevoegen dat het heel goed is dat Yuri Grigoryan, samen met Andrei Molchanov, besloot om enkele van de oude gebouwen in het masterplan te behouden, waardoor sommige kenmerken van het oorspronkelijke grondgebied intact kunnen blijven en een integraal onderdeel van de nieuwe geschiedenis zullen worden. van ZIL.
U ontwerpt voor verschillende landen van de wereld, terwijl u overal bent - uw tradities, uw niveau van bouwtechnologieën. Hoe ga je om met dit verschil?
- Er zijn twee antwoorden op deze vraag. Aan de ene kant, aangezien mijn vader een in Egypte geboren en in Parijs wonende abstracte schilder was, en mijn moeder Brits was, ben ik in wezen een culturele hybride. Bovendien verlieten mijn ouders hun thuisland en verhuisden naar Canada, waar ik opgroeide. Dat wil zeggen, ik zie mezelf als een soort "culturele nomade", dus waar ik ook werk in termen van plaats en cultuur, ik heb een gevoeligheid voor wat ik het "DNA" van een plaats zou kunnen noemen. Als kind woonde ik in zoveel landen, en als erfgenaam van twee zeer verschillende culturen, was het voor mij nodig om deze gevoeligheid te ontwikkelen, dit instinct is gewoon een kwestie van overleven en als een middel om te begrijpen waar ik op een bepaald moment in de tijd.
Aan de andere kant, aangezien we hebben ontworpen en gebouwd voor verschillende steden en contexten, heeft elk project zijn eigen unieke beperkingen vanwege een specifieke locatie, agenda, programma, economie, enzovoort. Veel van de kansen die elke locatie met zich meebrengt, zijn uniek en we moeten ze "extraheren". Wij zijn niet een van die architecten die dezelfde projecten ontwerpen voor verschillende plaatsen over de hele wereld, ongeacht de context. In plaats daarvan ontwerpen we gebouwen op maat van het programma en het budget, zoals in dit geval, niet te extravagant of overdreven. Het is altijd onze bedoeling geweest om ons werk discreet en intelligent te maken, met bijzondere aandacht voor de keuze van bouwtechnologieën en lokale materialen. Tegelijkertijd stellen we dat de bouw zeer geavanceerd moet zijn, dus zoeken we een aanpak waarmee we hoge resultaten kunnen behalen. Een ander belangrijk aspect is de selectie van het projectteam, wat veel lijkt op het creëren van een orkest: het kiezen van de juiste mensen, componenten, het vinden van de juiste technieken, tools en methoden. Een uitstekend team waarmee je samenwerkt in alle aspecten van design bepaalt het uiteindelijke succes van het bedrijf, waar het project zich ook bevindt [bureau SPEECH is verantwoordelijk voor beide Asymptote-projecten voor ZIL - nota van Archi.ru].
Deze twee Moskou-projecten zullen niet alleen belangrijk zijn omdat ze een integraal onderdeel vormen van de huidige Russische situatie, maar ook omdat ze innovatief en relevant zullen zijn in termen van cultuur, technologie en economie. We hopen dat ze ook belangrijk zullen zijn voor de lokale bewoners, dat ze zullen worden gezien als relevante en spirituele werken. Deze Asymptote-projecten doen recht aan architectuur, maken er hun hoofdthema van en hoeven daarvoor niet duur of pretentieus te zijn. Voor ons is het aangaan van deze uitdaging een heel realistisch doel, want, zoals je kunt zien, zijn wij niet het soort architecten dat wordt ingehuurd om een badkamer of een danszaal te vergulden (lacht).
Hoe heb je deze bestelling ontvangen? Werd het u aangeboden of was er een wedstrijd?
- Ik ontmoette Andrey Molchanov afgelopen winter in Moskou, en toen vroeg hij me om een toren te ontwerpen voor ZIL (ZIL Gateway Tower). Toen we hem onze portfolio met werken lieten zien, was hij geïnteresseerd in ons project voor de wedstrijd voor het Guggenheim Museum in Helsinki, en ik geloof dat we, na onderhandelingen met de directeur van het Staatsmuseum de Hermitage, Mikhail Piotrovsky, het aanbod kregen om een project voor de tak van het Staatsmuseum de Hermitage in Moskou, bedoeld voor de tentoonstelling van moderne en moderne kunst. Ik denk dat zowel Molchanov als Piotrovsky weten dat, ondanks het feit dat we 'sterren'-architecten worden genoemd, we niet aandringen op een bepaalde stijl of dogmatische benadering, maar het tegenovergestelde is waar: we zijn altijd op zoek naar een frisse, nieuwe invalshoek zicht op elke situatie. Dankzij een gelukkig toeval hadden Mikhail Piotrovsky en ik jarenlang interessante gesprekken over hoe we nieuwe musea kunnen ontwerpen - uniek en overtuigend. De dingen zijn dus al heel lang aan het samenkomen, maar nu zijn we erg druk bezig met het werken aan twee prachtige projecten in Moskou - en voelen we ons erdoor gevleid.
Wat vind je van wedstrijden, vooral grote internationale wedstrijden, zoals de recente voor het project van het Guggenheim Museum in Helsinki? Verrijken wedstrijden de architectuurcultuur, of verspillen architecten er gewoon hun tijd aan?
- Architectuurwedstrijden als idee zijn erg belangrijk en nuttig voor ons beroep. Zelf heb ik, samen met Liz-Anne Couture, onze eerste wedstrijd gewonnen toen ik nog maar 27 jaar oud was. Het project heette de Los Angeles Gateway en het was een internationale wedstrijd. De missie was om een gedenkteken te creëren voor een nieuw monument ter herdenking van de Amerikaanse immigratie uit de Stille Oceaan. Dit was erg belangrijk voor onze carrière en voor de oprichting van ons bureau, Asymptote. Daarom denk ik dat wedstrijden echt heel belangrijk zijn, vooral voor jonge architecten. Aan de andere kant lijken aanbestedingen tegenwoordig steeds meer operationeel. Het lijkt mij dat "klanten" (zoals u hier klanten noemt) steeds vaker wedstrijden organiseren om goedkope, zo niet gratis ideeën op te doen. Ja, we kunnen zeggen dat wij architecten een beetje masochisten zijn, aangezien we aan dergelijke wedstrijden deelnemen, ook al weten we dat het mogelijke resultaat slechts een verspilling van geld en tijd is. Zelf hebben we enorm veel tijd, energie en middelen geïnvesteerd in wedstrijden, maar desondanks blijven we er vandaag aan meedoen: dit is een vreemd aspect van ons vak. In de afgelopen jaren kan men zelfs nog meer misbruik zien in dit systeem van het gebruik van architecten om een probleem of een "mogelijk" project te "bestuderen": ik voel een toename in dergelijke exploitatie van een concurrerend idee, waarbij de deelnemende architecten niets meer overhouden. Dit kan gedeeltelijk het gevolg zijn van de zeer snelle en oppervlakkige verspreiding van afbeeldingen en afbeeldingen via internet, ten koste van het verlies van een dieper niveau van discussie.
We hebben onlangs deelgenomen aan een grote en belangrijke wedstrijd in New York, en - hoe gek het ook klinkt - de opdrachtgever besloot uiteindelijk om geen van de 14 prominente architecten en bouwconsortia uit te nodigen die aan dit maandenlange proces deelnamen. uitleg, koos hij een architect die helemaal niet meedeed aan de wedstrijd. Ik denk dat dit een voorbeeld is van misbruik dat een zeer negatief effect heeft op ons beroep.
In het bijzonder was de wedstrijd voor het Guggenheim Museum in Helsinki die u noemde een ander treffend voorbeeld van de volstrekte absurditeit van de huidige staat van het wedstrijdsysteem. Uiteindelijk doet het er niet echt toe hoe goed of slecht de winnaars zijn (en ik denk dat die winnaars trouwens best goed zijn). Met bijna 2.000 ingezonden projecten voor de wedstrijd, denk maar eens aan de wereldwijde inspanningen die zijn geleverd om ze te maken - het is verbazingwekkend als je erover nadenkt, en uiteindelijk is het kiezen van het beste project als het zoeken naar een speld in de hooiberg. Ik weet zeker dat er honderden interessante, provocerende werken waren die de tweede ronde niet eens haalden, om nog maar te zwijgen van de prijsplaatsen.
Een deel van het probleem is dat de architectengemeenschap zelf niet in staat is zichzelf voldoende te organiseren om te eisen dat alle wedstrijden voldoende worden betaald, goed gestructureerd en professioneel worden georganiseerd. Maar nogmaals, er is altijd wel ergens een architect die bereid is gratis te werken of, nadat hij de prijs heeft verlaagd, een collega omzeilt, daarom hebben we uiteindelijk allemaal spijt.
Je geeft al heel lang veel les aan verschillende universiteiten. Is uw lesmethode in de loop van de tijd veranderd?
- Ik begon met lesgeven toen ik nog heel jong was, en tegen de tijd dat ik 28 was, was ik professor aan de Columbia University in New York. Het was vóór internet en computers, en voor het grootste deel bouwden mijn studenten grote experimentele installaties op mijn instructies. Later, in 1996, was ik medeoprichter van Paperless Design Studios aan de Columbia University: het was een ambitieus programma, ik begon les te geven met alleen digitale middelen en gaf papier, potloden en in wezen alle gereedschappen op die we zo gewend zijn met het moment dat onze beroep ontstond. Het was een heel radicale stap op een heel interessant moment. In de loop van de tijd veranderde mijn lesmethode: ik raakte meer geïnteresseerd in de stad als probleem. Momenteel leid ik aan de University of Applied Arts Vienna het Deep Futures Learning Lab / Branch. Daar bestuderen we met mijn studenten de impact van technologie, sociaaleconomische trends, milieu, informatica, digitale vormgeving, enz. voor de toekomst van onze discipline en steden. Dus mijn aanpak is in de loop van de tijd veranderd door de veranderende situatie met steden en het leven in het algemeen.
Toen ik eind jaren tachtig begon met lesgeven, was er een zeer sterke architectuurcultuur, veel goede kritiek, polemiek en veel theorie om te bespreken en te bekritiseren. Tegelijkertijd waren er ook droge en conservatieve opvattingen, architecten en theoretici gericht op het verleden, en deze combinatie gaf aanleiding tot een duidelijk gevoel dat radicaal denken echt nodig is in de architectuur. Op dat moment voelde ik het op dezelfde manier als de dadaïsten, constructivisten, futuristen en surrealisten in hun tijd, toen hun hedendaagse kunst hun retrograde leek. In de jaren negentig waren er nog meer "kritieke" momenten en tendensen die moesten worden bestreden, vooral door de opkomst van de bedrijfscultuur in ons beroep. De reden voor de constante verandering in het lesgeven is dat je geen tijd hebt om terug te kijken - en dit gebeurt tegenwoordig heel snel, misschien zelfs te snel - net zoals elke radicale positie wordt geabsorbeerd door de status quo. Daarom is het noodzakelijk om constant heel voorzichtig te zijn als u zich bezighoudt met onderzoek en studie van de grenzen van ons beroep, zoals ik doe in mijn onderwijs.
Op dit moment ben ik misschien het meest geïnteresseerd in hoe ik de architect kan definiëren als een echt waardevolle figuur in onze samenleving, hoe ik de architect kan 'teruggeven' tot een waardevolle bijdrage aan het denken, verbeelden en, nog belangrijker, het creëren van onze steden, stedelijke ruimtes en gebouwen. We denken misschien dat de architect nog steeds belangrijk is in deze formule, maar in werkelijkheid hebben we heel veel terrein verloren. Tegenwoordig, als het gaat om het creëren en vormgeven van onze gebouwde omgeving, meestal economen, politici, technologen, investeerders, "experts" -consultants, enz. vorm beleid en neem belangrijke beslissingen. Helaas is de architect van deze hiërarchische ladder afgezakt naar een positie van toenemende onmacht. Geconfronteerd met deze realiteit, stel ik bij het lesgeven de vraag: hoe behouden en actualiseren we de kennis en vaardigheden die nodig zijn om de architect te herstellen als een belangrijke speler in het sociale proces van het vormgeven van de gebouwde omgeving. De vraag is: hoe worden wij, architecten, belangrijke actoren, en niet zomaar een “mede-uitvoerder” of zomaar een andere adviseur onder vele anderen.
Bij mijn studenten en op kantoor gebruik ik vaak de term "ruimtelijke engineering" als middel om met dit dilemma om te gaan, en ik gebruik deze term om te proberen te definiëren wat onze expertise werkelijk is. Uiteindelijk geloof ik echt dat "technische ruimtelijkheid" de kern vormt van de kennis en vaardigheden van een architect. Als je erover nadenkt, er zijn kunstenaars die compromisloos in pure ruimte werken, dit is hun belangrijkste interesse en zorg, aan de andere kant van het spectrum zijn er ingenieurs - bouwers, ontwerpers, monteurs, specialisten in akoestiek en andere gebieden, allemaal ze zijn druk bezig met de realiteit om het project tot leven te brengen. In mijn idee bevinden architecten zich tussen deze twee uitersten, in het centrum. Met dit alles in gedachten, verkennen we in Wenen onze discipline vanuit dit misschien vreemde maar belangrijke perspectief, waar het idee van een 'architect' serieus gemoderniseerd moet worden om de positie van deze bemiddelende en overlappende expertise in te nemen.
