Een tentoonstelling van architectonische afbeeldingen "Only Italy!" Is open voor het publiek in het technische gebouw van de Tretyakov Gallery. De helft van de expositie bestaat uit dingen uit de collectie van de Sergei Tchoban Foundation, de helft - tekeningen van de Tretjakovgalerij, en nog wat meer - het werk van vier hedendaagse kunstenaars-architecten: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov en Sergei Tchoban.
De tentoonstelling is om vele redenen absoluut geweldig. Allereerst zijn architecturale grafische afbeeldingen van hoge kwaliteit een materiaal dat zich aan zichzelf onttrekt. Het van blad tot blad onderzoeken, in detail de krullen, schaduwen, staffage en orde onderzoeken, is een perfect genoegen.
Aan de andere kant kan niet worden gezegd dat architecten vaak in de Tretyakov-galerij worden getoond. Ze worden daar bijna nooit getoond. En hier - de expositie verenigde niet alleen dingen uit de opslagruimten van de galerie, die weinig kans hebben om op een ander moment te worden getoond, met bladen uit de collectie van het Tchoban-fonds dat in Berlijn was opgeslagen. In het centrum van alles, zoals de kroon van de schepping, staan de tekeningen van moderne architecten.
Het ontwerp van de expositie is van het SPEECH-bureau en Sergei Tchoban, die de werken van zijn tijdgenoten (inclusief die van hemzelf) in een kleine rotondezaal heeft opgesteld; in de galerie om hem heen worden afbeeldingen van de 20e eeuw tentoongesteld; op afstand, in nog twee rechthoekige ruimtes, worden bladen uit de 18e - 19e eeuw tentoongesteld, verdeeld in twee blokken: "De geboorte van een thema" en "Rossika" (werken van buitenlanders in Rusland). De chronologie loopt dus in cirkels uiteen in de ruimte van de expositie, of, preciezer, convergeert van het verleden naar het heden: zoiets als cirkels op het water, alleen andersom.
Opgemerkt moet worden dat SPEECH nogal consequent het motief van de ronde hal ontwikkelt in zijn werk met tentoonstellingsontwerp: het volstaat om de tentoonstelling "Museum of Graphics" in ArchMoscow in 2013 te herinneren (toen het Berlin Museum of Graphics nog niet open was), of twee ontwerpen van de expositie van het Russische paviljoen op de Venetiaanse architectuurbiënnale: pittoreske diorama van de stad Vyshny Volochok in 2010 en "Pantheon" van QR-codes 2012, onlangs
herschapen in Zaryadye. Ronde zalen zijn vrij zeldzaam bij het ontwerpen van moderne tentoonstellingen - de rotonde-ruimte is niet erg handig om te exposeren, omdat het de neiging heeft om exposities te overweldigen en er op zichzelf belangrijker en waardevoller uit te zien. Het is een tempel, geen museum, een plaats van concentratie of zelfs maar een dienst.
Deze kwaliteit van de ronde wordt benadrukt en gebruikt bij de ophanging. Afbeeldingen van de Nieuwe Tijd worden tentoongesteld in overeenstemming met alle regels van het tentoonstellen van musea en met gepast respect. In de ronde ruimte aan de linkerkant is het grafische blad niet langer zelf waardevol, maar wordt het een ondergeschikt onderdeel van de ruimtelijke plot. De bladen van Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban worden in twee rijen opgehangen, zonder de aandacht te vestigen op elk afzonderlijk werk als museumwaarde (de afbeeldingen van de 20e eeuw in de cirkelvormige galerij dienen als een overgang, het wervelen zelf verwijdert het museum al strengheid).
De betekenis van de verklaring is duidelijk genoeg. Moderne grafische afbeeldingen zijn hier niet echt een tentoonstelling, maar eerder een verklaring van het feit van zijn bestaan - de missie om de traditie van het klassieke tekenen voort te zetten en nieuw leven in te blazen. Het maakt deel uit van een denkbeeldige kunsttempel, terwijl de historische collectie zoiets is als de sacristie, een bewaarplaats van waardevolle exemplaren.
Kenmerkend is dat het plastic interieurstatement, dat de inhoud van de tentoonstelling zo subtiel interpreteert, binnen de kaders blijft van de taal van de klassiekers. Helemaal zonder opdracht, maar de details en ruimtelijke ervaringen worden door de eigenlijke grafische bladen toegevoegd aan de ronde hal. Ze zijn zijn kortstondige architectuur. Denk bijvoorbeeld aan de ronde zijde van het Pantheon, gearticuleerd door een keurig getekende sokkel van losbogen: “het pantheon in het pantheon” zet het begonnen spel verder voort, al in een denkbeeldige ruimte achter het vlak van het grafische blad.
Aan wat er is gezegd, moet nog worden toegevoegd dat de tentoonstelling, te beginnen met de 'oprichters' van de 18e eeuw, de specifiek Russische traditie van het bewonderen van Italië verder onderzoekt, en dichter bij de 21e blijkt dat deze traditie hier wat heeft verworven. volkomen speciale kenmerken, niet verstoken van een toon van bewondering en, in goede zin, obsessie, die zo subtiel wordt vastgelegd door de tempelvorm van de hal. Niemand beweert zo oprecht antiek te bestuderen als Maxim Atayants; niemand denkt dat zijn architectuur is ontstaan uit een aquarellandschap, zoals Michail Filippov; Niemand is zo toegewijd aan de intrinsieke waarde van het genre van architecturale grafische afbeeldingen als Sergei Tchoban, die zijn museum heeft gemaakt, en Sergei Kuznetsov, die constant naar de open lucht gaat. Samen is het resultaat een heterogeen, maar zeker uniek fenomeen.
We spraken met alle vier de exposanten van de Contemporary Drawing Room.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Is dit echt de grootste tentoonstelling van bouwkundige tekeningen die momenteel met medewerking van uw stichting is gemaakt?
Sergey Choban:
- Ik denk van wel. Zowel naar het aantal gepresenteerde werken als naar de bestreken periode is dit de grootste tentoonstelling. Hier zijn de werken van uitstekende West-Europese auteurs, oprichters van de school voor architectuurtekenen van de 18e eeuw, en een groot aantal afbeeldingen van uitstekende Russische kunstenaars en architecten die actief in deze context werkten.
Tentoonstellingen van architecturale grafiek, georganiseerd door uw stichting, krijgen al vorm in een bepaalde volgorde. Is er een algemeen plan, een drijfveer voor ontwikkeling, of wordt de plot elke keer opnieuw uitgevonden?
S. Ch.: Over het algemeen wordt het elke keer opnieuw uitgevonden, hoewel we bepaalde principes hebben. In het bijzonder streven we ernaar om samen te werken met vooraanstaande museale instellingen. Een van onze volgende projecten zal worden uitgevoerd in samenwerking met Albertina uit Wenen. Dr. Schroeder [directeur van het Albertina Museum in Wenen - Archi.ru] was in de zalen van ons museum in Berlijn en sprak de wens uit om een gezamenlijk project te maken - we zijn hier erg blij mee en trots op dit voorstel. Er zijn ook andere projecten.
Er zijn plannen om samen te werken met het Shchusev Museum of Architecture, ik denk dat dit erg belangrijk is.
Je bent verzamelaar, graficus, ontwerper, architect - hoe verhoudt dit zich tot elkaar?
S. Ch.: Het lijkt mij dat dit verschillende schakels zijn van hetzelfde beroep. In een historische context waren architecten ook kunstenaars; ze waren niet alleen bezig met hoofdgebouwen, maar ook met decorontwerp, theatervoorstellingen.
Tot de 20e eeuw hadden architecten geen fotografie …
S. Ch.: Ik denk dat fotografie niet dezelfde doelen heeft als architectuurtekenen. De tekening legt het belangrijkste deel van menselijke creativiteit vast: de architectuur die een persoon in de natuurlijke ruimte creëert.
Ondertussen doen Maxim Atayants en Mikhail Filippov klassieke architectuur, maar jij niet
S. Ch.: Natuurlijk niet, dit is niet direct gerelateerd aan de architectuur die we aan het doen zijn. Het lijkt mij dat de studie van architectuur door middel van tekenen tot totaal verschillende resultaten kan leiden: het is de studie van verhoudingen en ruimtelijke effecten, en stof en detail. Niet voor niets wordt tegenwoordig, niet alleen in het Russisch, maar ook op veel Europese scholen, weer veel aandacht besteed aan tekenen, want alleen door te tekenen kun je zien hoe materialen van verschillende structuren met elkaar worden gecombineerd, hoe de stof van de kleinste details vloeit in elkaar over.
Je tekeningen op tentoonstellingen zijn altijd zeer afgewerkte werken, tekenen naar de natuur. Waarom laat u geen schetsen zien?
S. Ch.: Ten eerste is het thema van deze tentoonstelling vrij duidelijk, het impliceert niets anders. En ten tweede moeten de tekeningen zelf een onafhankelijke kwaliteit hebben. Schetsen hebben deze kwaliteit niet altijd.
Groeit uw schilderij meer uit uw verzameling of uit uw architectuur?
S. Ch.: Ik denk dat de collectie toch uit de tekening is voortgekomen. En veel van de architectuur die ik doe, komt voort uit de tekening. Het groeit gewoon niet recht. Het is niet zo dat je een gebouw uit de oudheid tekent en dan iets soortgelijks ontwerpt. Dan ontwerp je iets anders, want de wetten van ruimteontwikkeling zijn anders.
*** We zijn erin geslaagd om drie andere deelnemers aan de tentoonstelling dezelfde, in dit geval belangrijke, vraag te stellen: of hun grafische afbeeldingen verschillen van de historische, en zo ja, hoe.
Maxim Atayants
Hoe verschillen uw grafische afbeeldingen van de historische afbeeldingen die hier op de tentoonstelling worden gepresenteerd?
M. A.: De graphics zijn hier zo verschillend … Ik heb het gevoel dat de vier hedendaagse exposanten bijna evenveel van elkaar verschillen als van degenen die in andere hallen van deze expositie hangen.
De tijdperken zijn verschillend. Moderne grafische afbeeldingen konden niet anders dan worden beïnvloed door de kolossale visuele overtolligheid van de moderniteit. Sinds de eerste daguerreotypie zijn er de afgelopen twee jaar in de wereld meer foto's gemaakt dan in de hele voorgeschiedenis. De druk van visuele overtolligheid dwingt ons om de tekening anders te behandelen en daar iets uit te halen dat bijvoorbeeld niet in de fotografie zit. Ik ben een redelijk professionele fotograaf, dus het is belangrijk voor mij om deze dingen te vergelijken. Maar ik ben bang om opzettelijk over dit onderwerp na te denken, omdat de taak van tekenen en fotograferen hetzelfde is … Ik zou op de een of andere manier mijn vreugde en opwinding willen uiten tijdens de ontmoeting met deze gebouwen. Waarschijnlijk heeft Quarenghi dezelfde problemen opgelost. En het resultaat is anders, want het tijdperk is anders. Hoe kan ik dit anders beantwoorden?
Waarom fotografeer je niet alleen, maar teken je ook?
M. A.: Maar hierop kan ik gemakkelijk antwoorden. Omdat er verschillende mechanismen bij betrokken zijn. Tekenen is een manier van leren, de enige vorm van menselijke activiteit waarbij de hersenen, het oog en de hand gelijktijdig met gelijke intensiteit worden betrokken. Het is onmogelijk om een uur bedachtzaam en geconcentreerd naar een stuk architectuur te kijken als je niet aan het schilderen bent. Dit is een manier van leren.
We maken foto's die anderen kunnen delen en tekenen voor onszelf. Voor assimilatie. In mijn geval tenminste.
Heb je ooit geschilderd naar een foto?
M. A.: Natuurlijk putte ik, zoals elke idioot die aan de Kunstacademie studeerde, 's nachts uit fotografie, als ik bijvoorbeeld geen tijd had om mijn scriptie af te ronden. Toen leek het me dat het gemakkelijker was. Nu probeer ik dit niet te doen, want dit is een zinloze nabootsing van het proces. Naar mijn mening is het punt van tekenen om uit het leven te putten.
Als ik teken, iets begrijp, dan is dit proces diepgaand. Waarom zou u het vereenvoudigen terwijl u probeert om goedkoop hetzelfde resultaat te krijgen? Of er uiterlijk hetzelfde uitzien. In die gevallen dat je geen tijd had om ter plekke te finishen, kijk je soms natuurlijk op de foto … Maar dit is secundair. Het is verbazingwekkend dat het voor mij nu veel moeilijker en langer is om naar een foto te tekenen dan naar de natuur. Het is waar.
***
Sergey Kuznetsov
Hoe verschillen uw grafische afbeeldingen van de historische afbeeldingen die hier op de tentoonstelling worden gepresenteerd?
S. K.: Ik zou nederig willen zeggen dat we dat niet kunnen doen. Ik ben heel blij met de werken van Maxim Atayants, die een hulpmiddel in zichzelf vond, erin kon duiken en naar een ander niveau van detail kon gaan - het is duidelijk dat moeilijk niet goed betekent, maar gewoon niet slecht - maar toch, welke hoogten de oude meesters bereikten, en in geduld, en in hard werken, en in de ogen - dit is verbazingwekkend. We moeten leren … Ik kijk nog steeds met afgunst naar de afbeeldingen die hier worden gepresenteerd; het zou natuurlijk geweldig zijn om zo'n vaardigheid onder de knie te krijgen.
Betekent het tekenen van klassieke architectuur het streven naar het bouwen van klassieke architectuur?
S. K.: Nee, het betekent helemaal niet. Het tekenen van klassieke architectuur mag niet worden gekoppeld aan het ontwerp van klassieke architectuur, net zoals het lezen van The Three Musketeers niet betekent dat je morgen klaar bent om met het zwaard te zwaaien.
Hoe zijn architectuur en schilderkunst dan met jou persoonlijk verbonden?
S. K.: In die zin ben ik een ouderwets persoon, ik waardeer basisvaardigheden. Het lijkt mij dat de manier waarop architectuur is gemaakt niet is veranderd en niet mag veranderen: een persoon moet gedachten, gewaarwordingen en gevoelens via zichzelf doorgeven - een computer staat niet toe alles uit te drukken. Ik was diep en serieus dol op computergraphics, ik had veel publicaties en tentoonstellingen, dit geeft me de mogelijkheid om werk met mijn handen en ogen te vergelijken - en te werken met een computer. Als je controle hebt over je hand en met je eigen handen kunt afbeelden wat er in je hoofd omgaat, helpt het je persoonlijk, en werkt het ook goed als overtuigingsmiddel.
Waarom laat je geen schetsafbeeldingen zien?
S. K.: In dit geval zou het niet gepast zijn … Dit is geen bewust standpunt; er zullen voorstellen zijn - we zullen exposeren. Over het algemeen is dit niet waar, we stellen het tentoon - op de tentoonstelling van de "architect van het jaar" op Arch Moskou hadden we een schetstekening. We hebben veel schetsen van goede kwaliteit. De handschriften zullen naar mijn mening gewoon niet interessant zijn voor het publiek. Over het algemeen zou ik zeggen dat de belangstelling van het publiek voor welk werk dan ook recht evenredig is met de hoeveelheid werk die erin wordt geïnvesteerd.
Hoe ben je begonnen met het tekenen van historische architectuur?
S. K.: Ik begon lang voordat ik naar de universiteit ging met tekenen. Mijn ouders waren op geen enkele manier verbonden met kunst of architectuur, maar ik werd meegesleept door een verscheidenheid aan creativiteit, prototyping, tekenen en dus volgde ik voorbereidende cursussen aan het Moscow Architectural Institute. Sindsdien ben ik niet gestopt met schilderen; hoewel er na het instituut een pauze was toen ik niet langer bezig was met handboeken, maar met computergraphics.
Later, toen ik met Sergei Tchoban begon te werken, ergens rond 2006, stelde ik voor dat hij naar verschillende steden zou reizen om architectuur te tekenen. Sindsdien reizen we regelmatig meerdere keren per jaar om architectuur te schilderen. Onze eerste trip naar de open lucht in Rome was bijvoorbeeld in de voetsporen van Piranesi.
***
Mikhail Filippov
Hoe verschillen uw grafische afbeeldingen van de historische afbeeldingen die hier op de tentoonstelling worden gepresenteerd?
M. F.: Ik kan zo'n vraag niet beantwoorden. Ik kan je vertellen hoe architectonische graphics verschillen van een architectonisch landschap. Ik ben al 30 jaar lid van de Union of Artists en heb op veel plaatsen als kunstenaar geëxposeerd, waaronder de Tretjakovgalerij en het Russisch Museum. Voor mij is deze vraag absoluut duidelijk. Het architecturale landschap waar onze voorouders mee bezig waren, is in de eerste plaats een hoogwaardige tekening en organisatie van het blad met een artistieke benadering. Helaas schilderen de meeste architecten hun favoriete object als een klein perspectief, en niet als een landschap.
In de Sovjettijd werkte ik zelfs onder de contracten van de Kunstacademie als puur landschapsschilder. Tijdens de perestrojka kwamen de Serovieten daar aan de macht - de meesten van hen zijn goede artiesten, realisten, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Sterke, technische graphics waren er ook.
De rest van de Sovjetafbeeldingen ontwikkelde zich in de richting van de modernistische organisatie van het blad: als het water bijvoorbeeld licht is, is het volledig wit geschreven, enzovoort. Toen ik begon met schrijven, dacht ik meer aan nuances, tussenliggende tonen; nachtelijke witte tinten, kwaliteit van tekenen, subtiliteiten van perspectief … Dit maakte me in die tijd vrij uniek, deze oude mensen hielden heel veel van me. Ik werkte onder contracten, kwam en liet ze zien, ze maakten een paar opmerkingen - het voelde alsof de meesters naar me keken.
Dus ik voel niet veel verschil met de oude meesters. Als ze geen technische tekening maakten, maar een landschap. De benadering van het landschap was als een kunstenaar. De architectonische faculteit van de Kunstacademie huurde ooit degenen in die beter tekenen, en het schilderij - degenen die slechter tekenen. En ze gaven een diploma onder de naam "artist of architecture" - dit werd geformuleerd tot een, ik weet het niet precies, een jaar. Ik voel geen verschil met hen, vooral niet als het gaat om werken uit het begin van de eeuw. Ik ben opgegroeid met de werken van Ostroumova-Lebedeva.
Hoewel voor mij een andere nuance interessant is - de witte nacht. Het Russische landschap was genuanceerd in tussenliggende staten. Vasiliev bijvoorbeeld - dooi, geen winter, geen lente, geen licht, geen duisternis, halve toon, een zonnestraal … Je zult geen landschappen van hoge kwaliteit vinden in de wereldschilderkunst, waarin er een helderblauw zou zijn lucht en helder groen! Misschien heeft Rylov zoiets, of Cezanne, maar dat is al anders.
Het blijkt dat je twee thema's hebt: je architectonisch landschap en je architectuur …
M. F.: Niet! Er is geen verschil. Mooie architectuur moet worden geassocieerd met de natuur, met de zon. Ik ken en houd heel goed van kunstgeschiedenis. In de jaren tachtig was het interessant voor mij om door te gaan met wat in de jaren twintig was afgebroken, toen de schilderkunst op de een of andere manier begon te veranderen in - misschien van zeer hoge kwaliteit - maar modernisme.
Denk je dat het echt is om samen te groeien?
M. F.: Ja, dit is een absolute realiteit. In januari van dit jaar heb ik het overhandigd - bossen werden verwijderd van 750 duizend vierkante meter woongebouwen.
In Sotsji?
M. F.: Niet alleen in Sochi, in Moskou staat een huis aan de maarschalk Rybalko Street. Ik verzeker je dat dit de belichaming is van de stijl uit 2001 die ik dertig jaar geleden bedacht.
Voel je dit als de belichaming van je schilderij?
M. F.: Ja, ja … ik zie het verschil niet.
Geloof het of niet, ik studeerde af aan de Academie, bedacht een concept en daarna nam ik voor het eerst een penseel en aquarel. Ik heb niet geschreven op de Academie of op de kunstacademie. En als ik schreef, is het onmogelijk om te kijken naar wat ik toen deed.
*** de tentoonstelling is open t / m 27 juli (openingstijden)
