Een architect en kunstenaar heeft geen speciale introductie nodig, ook niet voor het Europese publiek. Hij is een van de beroemdste Russische architecten in het buitenland. In 2006 vertegenwoordigden zijn werken Rusland op de Biënnale van Venetië, en nu worden ze bewaard in de collecties van een aantal van de belangrijkste musea ter wereld: het German Museum of Architecture (Frankfurt), het MOMA Museum of Contemporary Art (New York), de A. A. V. Shchusev. In Europa staat Brodsky vooral bekend om zijn "papieren" projecten: talloze concepten die samen met Ilya Utkin zijn gemaakt voor Japanse architectuurwedstrijden. Brodsky's 'solo'-werken - installaties op de grens tussen architectuur en hedendaagse kunst, evenals een aantal gerealiseerde objecten met kleine vormen - interieurs, restaurants, conceptuele paviljoens, zijn ook bekend in het Westen.
De voor de tentoonstelling geselecteerde werken bestrijken de periode van de afgelopen dertig jaar en geven een idee van de verschillende technieken waarmee de architect werkt. In de hal van de eerste tentoonstellingsvloer van het museum - Brodsky's werken in meer traditionele werken. Dit is een potloodtekening, ets, zeefdruk. Een verdieping erboven - speciaal voor deze tentoonstelling gecreëerde nieuwe werken: klei "graphics" en inkttekeningen op dakleer.
Ondanks de verscheidenheid aan technieken ziet de hele expositie eruit als een enkele verklaring die bedoeld is om bezoekers vertrouwd te maken met de belangrijkste thema's en motieven van het werk van de architect. In het centrum van Brodsky's poëzie bevinden zich conventionele, fantasmagorische werelden, die, als we met een zekere mate van conventie spreken, gepresenteerd worden in de stijl van de klassieke architectuurpresentatie: gevel, doorsnede, perspectief, algemeen zicht. De kunstenaar concentreert zich op composities buiten de tijd, om precies te zijn - na tijden, sporen achtergelaten door mensen en geschiedenis.
In de kamerzalen, of, zoals het personeel van het museum ze zelf liever noemt, de 'kantoren' op de benedenverdieping zijn werken uit de jaren tachtig - begin jaren 2000. Hier is Brodsky de opvolger van het pyranesianisme met zijn monumentaliteit en fantasmagoriciteit, maar zijn blik is altijd de blik van een postmodernist met karakteristieke ironie, gelaagdheid van betekenissen en openheid voor verschillende interpretaties. Een van de thema's is de eenheid van chaos en klassieke schoonheid, postmoderne entropie en renaissancistische beelden. De uitdrukking ervan is zowel in chaotische fractale perspectieven met de introductie van architecturale primaire elementen - piramides, en in de verschijning van een slingerende slinger onder een klassieke fractale compositie, en industriële chaos die is gegraveerd in de ruimte van de koepel in een longitudinale sectie, geïnstalleerd op de fundering naast een industriële buis. Renaissance-esthetiek en het motief van het Venetiaanse carnaval zijn te horen in de allegorische portretten met een bepaald conventioneel karakter. Op een ervan noemt Brodsky hem een architect, alsof hij het publiek een hint wil geven. De rest van de allegorische portretten herinneren zowel aan de helden van de middeleeuwse mysteries als aan de 'carnavaleske' sfeer van de komedie Del Arte, en zijn onder andere een parafrase van de beroemde allegorieën van de primaire elementen van Giuseppe Arcimboldo, die de surrealisten beschouwden een van hun voorgangers. In plaats van natuurlijke primaire elementen heeft Brodsky architectonische elementen (een ideale stad in handen van een architect, de toren van Babel gebouwd op de hoofden van personages), en de esthetiek van het surrealisme is een van de sleutels tot onderdompeling in zijn werelden.
De industriële landschappen van Brodsky zijn doordrenkt met dezelfde esthetiek. Deze werken zijn een onderdompeling in de introspectieve wereld van het onderbewustzijn, waarin logische verbindingen worden verbroken (of beter gezegd: ze lijken afgesneden), en de wereld waaruit een persoon wordt verwijderd, de held wordt. Hetzelfde constante thema waarmee Brodsky werkt: een man was hier en liet sporen na.
De meeste exposities bleven "Zonder titel". Zo wordt de kijker de tekstuele aanwijzingen onthouden, die zo worden geaccepteerd in de moderne kunst. De ideale kijker van Brodsky is natuurlijk een erudiete kennis van geschiedenis en beeldende kunst, in staat om lagen van gegeven betekenissen te tellen en de postmoderne ironie van de kunstenaar vast te leggen, terwijl een minder verfijnde kijker een licht gevoel van ongemak kan ervaren als hij in de wereld buiten de wereld wordt gegooid. gebruikelijke oorzakelijke verbanden. Twee soorten kijkers - twee soorten lezen en de interpretaties van de niet-ideale kijker kunnen veel emotioneler zijn en leiden tot een vrijere stroom van associaties.
Een van de werken die het dichtst bij de boekillustratie op de tentoonstelling staan, 'A Place of Common Prosperity' (1998), is zowel een directe groet aan de afbeeldingen van het Piranesi Pantheon, die door het metaforische onderbewustzijn van de auteur zijn gegaan, als een toespeling op het plechtig sublieme aanduidingen van stedelijke infrastructuurobjecten die in 1960 in de USSR zijn aangenomen -x: bibliotheek - "Temple of Knowledge", en bijvoorbeeld bioscoop - "Temple of Spectacles". Hier gebruikt Brodsky de "gerealiseerde metafoor" -techniek. Voor ons staat inderdaad de tempel, en het prototype van alle tempels, maar de voorwaardelijke koffer in de tekening geeft een voorwaardelijke Sovjetburger weer, voorgesteld in de gedaante van een mythisch wezen met een hondenstaart, die de 'Tempel van Algemeen Welzijn' binnenging. "om een glas bier te drinken.
In dezelfde ruimte worden ook potloodschetsen van voorwaardelijke architectonische gevels en een aantal objecten gepresenteerd. De esthetiek van het surrealisme is er ook gemakkelijk in te raden, en een van de meest mysterieuze objecten die wordt afgebeeld, is misschien een soort parafrase van het meest geciteerde werk van René Magritte.
De tentoonstelling is zo opgezet dat potloodschetsen schetsen blijken te zijn voor Brodsky's kunstvoorwerpen, gepresenteerd op de verdieping erboven. Dit zijn werken uit 2014, waarvan de meeste speciaal voor de tentoonstelling in het Tchoban Museum zijn gemaakt. De gevels gemaakt in de unieke auteurstechniek van "kleigrafiek" verwijzen zowel naar het monumentalisme van de stalinistische empirestijl als naar het Kafkaëske kasteel, onbereikbaar binnen het kader van de menselijke logica. Hier is de voortzetting van Brodsky's hoofdthema - de sporen die de tijd heeft achtergelaten. De sleutel tot de interpretatie van deze werken, en in feite de sleutel tot de tentoonstelling als geheel, zijn twee objecten gemaakt met zwarte inkt op een dakleer van een gebouw en die lijken op een kaart en een axonometrisch model van een voorwaardelijke archeologische vindplaats. De leemgevels bezaaid met scheuren zijn dus niets meer dan klei-artefacten uit het verleden. Het was niet zonder ironie in de geest van het postmodernisme: het bouwen van dakleer is een populair materiaal in de Sovjet-datsja-constructie.
In dit verband is het interessant om te herinneren aan de geïmplementeerde projecten van Brodsky de architect. Ze zijn niet vertegenwoordigd op de tentoonstelling, maar ze zijn allemaal op dezelfde manier ondergeschikt aan het idee om zich te concentreren op de sporen die hun voorgangers hebben achtergelaten. Of het nu het paviljoen voor wodka-ceremonies is, gebouwd voor het Art-Klyazma-festival, de Rotunda in Nikola-Lenivets of het Prichal 95 * -restaurant in de buurt van Moskou, ze zijn allemaal gebouwd met de ontwerpen van andere objecten die ooit bestonden: raamkozijnen, deuren, planken.
Het is opmerkelijk dat de tentoonstelling van Alexander Brodsky in Berlijn samenviel met een andere tentoonstelling van architectuurtekenen in het Martin-Groppius-Bau Museum: "VKHUTEMAS - het Russische laboratorium van de moderniteit" (geldig tot 6 april), met utopische tekeningen van studenten van de VKHUTEMAS uit de jaren 1920. Sovjet-utopische projecten uit de jaren twintig en papierontwerpen uit de jaren tachtig zijn de twee belangrijkste verschijnselen van papierontwerp uit de 20e eeuw, afkomstig uit Rusland. In de omstandigheden van de snelgroeiende economische crisis en het monopolie van grote architecturale werkplaatsen op het ontwerp van bijna alle belangrijkste objecten, is een nieuwe ronde van "op tafel" -ontwerp onvermijdelijk. Misschien kunnen de architectuurtekeningen en conceptuele projecten van de tweede helft van de jaren 2010 ooit de basis worden voor toekomstige museale exposities.
De tentoonstelling is te zien tot en met 5 juni 2015.
