Stepan Lipgart: "Het Is Goed Om Je Eigen Lijn Te Buigen"

2024 Auteur: David Durham | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 02:41

Een familie

Wikipedia schrijft dat Lipgarts een familie is van de Ostsee-adel, bekend in Livonia sinds de 16e eeuw, en in de 19e - 20e eeuw werd deze achternaam gedragen door kunstenaars, ingenieurs en onderzeeërontwerpers. Welke van hen zijn uw voorouders?

De ouders van mijn moeder waren achterneven van elkaar, beiden geboren Lipgarts, afstammelingen van de oude achternaam van de Baltische Duitsers, immigranten uit Pernau (nu Pärnu, Estland), die ooit echt een adellijke titel hadden. Mijn voorouders raakten het echter aan het begin van de 19e eeuw kwijt. De grootvader van mijn grootmoeder, Ernest Lipgart, een ingenieur van opleiding, erfde van zijn vader een grote onderneming die zich bezighield met de productie van cement en landbouwmachines. Zijn zoon Voldemar (Vladimir) studeerde voor architect, maar gaf de voorkeur aan het pad van een kunstenaar. Zijn lot was tragisch, eind jaren dertig 'verdween' hij: zoals de afgelopen jaren bleek, werd hij neergeschoten op het oefenterrein van Butovo. Mijn grootmoeder, ook kunstenares, werd aan het begin van de oorlog als Duitser van Moskou naar Karaganda verbannen.

De vader van mijn grootvader, ingenieur Andrei Aleksandrovich Lipgart, is een vertegenwoordiger van een andere familietak, het hoofd van een groot en sterk gezin, een uitstekende persoonlijkheid. In 1933 werd hij de hoofdontwerper van de Gorky Automobile Plant, waar hij in de loop van bijna twintig jaar tientallen modellen auto-uitrusting creëerde. De verdiensten en prestaties van Andrei Alexandrovich werden voornamelijk erkend in de Sovjettijd, daarom was zijn autoriteit bijvoorbeeld voldoende om een ver familielid, mijn grootmoeder, uit ballingschap te redden. Dit is hoe hun kennismaking met mijn grootvader plaatsvond.

De privileges van mijn overgrootvader in de jaren vijftig: een groot landhuis en een appartement in een stalinistische wolkenkrabber, werden ruimtes waar ook het beste deel van mijn jeugd werd doorgebracht. De feestelijke sfeer van familievergaderingen - plechtig, maar ook oprecht, die plaatsvonden in een licht appartement met hoge plafonds, rijk stucwerk, paneeldeuren, waaruit de kerstman steevast op het nieuwe jaar verscheen - werd blijkbaar een indruk die mijn artistieke smaak en esthetische voorkeuren voor jaren …

Wat heeft je beslissing om architect te worden beïnvloed, naast techniek en artistieke genetica?

Het lijkt mij dat een architect niet toevallig is - een beroep dat vaak wordt geërfd. In mijn geval is de invloed van mijn moeder ongetwijfeld, die, hoewel ze haar hele leven niet bezig is geweest met praktische architectuur, maar in theorie, maar van jongs af aan heeft uitgelegd dat ons beroep het beste is, universeel, daarin - creativiteit, gedachte, en schoonheid, en de architectuur van Moskou - een plaats van zeldzame gratie.

Roeping

Welke van de leraren bij MARCHI is belangrijk om te onthouden? Wie heeft je geïnspireerd, met wie ben je begonnen?

Ik herinner me met ontzag en dankbaarheid mijn twee leraren, die nu zijn overleden. Toen ik het instituut binnenging, had ik meteen veel geluk: mijn leraar in de eerste twee jaar was Konstantin Vladimirovich Kudryashov. Een man met een groot hart en een grote charme, een briljant schema - ik herinner me met welke afgunst we zagen hoe heldere, levendige lijnen van meesterlijke schetsen onder zijn hand tevoorschijn kwamen. De breedte van de natuur, zo lijkt het, was belichaamd in de onderwerpen van zijn tekeningen: jacht op honden, waar hij erg van hield, oude wapens, paarden, schepen, zeilen … Blijkbaar kwamen architectonische voorkeuren overeen met deze romantische, enigszins nostalgische perceptie van de wereld: hij sprak met groot respect over Venturi, Aldo Rossi. Over het algemeen was het postmodernisme volgens Kudryashov iets goeds. Ook met betrekking tot de stalinistische architectuur was er van zijn kant niets negatiefs, integendeel, bij de allereerste praktische les, die plaatsvond buiten het instituut, nam Konstantin Vladimirovich deze gelegenheid aan en vestigde onze aandacht op het huis met de uitzichten van de architect Rybitsky, die op Zemlyanoy Val reageert op deze architectuur als van hoge kwaliteit en significant. Misschien is dat de reden waarom de volgorde-elementen en composities, waarvan de studie de basis vormde van het eerstejaars programma, ik zonder een seconde na te denken mijn methode maakte in de eerste schoolprojecten in het tweede studiejaar. Kudryashov bemoeide zich hier niet mee, brak niet, maar aan het einde van het tweede jaar waarschuwde hij: "Je hebt een verlangen naar orderarchitectuur, probeer er volgend jaar van weg te gaan."

Gewaarschuwd dat er mogelijk problemen zijn?

Ik zei het niet rechtstreeks, maar ik zei het zo. Over het algemeen was mijn opleiding architectonisch ontwerpen van het derde tot en met het vijfde jaar nogal vreemd. Hoe dan ook, het belangrijkste principe ervan - buitenlandse tijdschriften kopiëren met projecten die vergelijkbaar zijn met het onderwerp en vervolgens de gevonden ideeën en technieken in uw project reproduceren - leek mij grotendeels zinloos. Tegelijkertijd werd de passie voor klassieke architectuur, de erfenis van de Sovjet-jaren 1930-1950, steeds bewuster en dieper. Ik herinner me hoe ik op dat moment met Kudryashov kwam praten en klaagde, zeggen ze, dat het moderne niet inspireert, waarop ik het antwoord kreeg: als je voelt dat je gelijk hebt, moet je vechten "met bijlen".

Natuurlijk was dit "op assen" aanvankelijk beladen met lage cijfers en een absoluut misverstand van de leraren, maar later verzoenden ze zich met de geweldige verslavingen van een nalatige student, waardoor ik de kans kreeg om in mijn eigen sap te stoven.

In het zesde jaar was het tijd om een diplomabegeleider te kiezen, en toen was er een tweede gelukkige kans - ik kwam in de groep van Vladimir Vladimirovitsj Khodnev. Het afstudeerjaar was absoluut gelukkig; de formele benadering van de voormalige docenten maakte plaats voor een soort onstuimige vrijheid van creativiteit en zelfexpressie. Het bleek dat het goed is om je lijn te buigen, maar waar de ziel in ligt is waardevol en belangrijk. De gevoeligheid en aandacht van de leraar, die ik me met grote dankbaarheid herinner, hebben me in staat gesteld veel te begrijpen en te leren. Bij de uitgang bleek het diploma stralend te zijn, ik zou zeggen schokkend, misschien naïef, ergens belachelijk, maar echt van mij. Ik moet zeggen dat in hetzelfde jaar de kinderen van Iofan verschenen, waarin Khodnev me trouwens heel erg steunde. Het was een goede tijd - we geloofden in onszelf.

De groep "Children of Iofan" maakte indruk. Het werd gewaardeerd door vertegenwoordigers van alle richtingen. Hoe is het tot stand gekomen?

Tweeëntwintig jaar is waarschijnlijk een gelukkige tijd voor bijna iedereen: de hectische energie van de jeugd, enthousiasme zonder rekening te houden met geld, reputatie, connecties. In het voorjaar van 2006 ontmoetten we elkaar en werden we bevriend met Boris Kondakov. Ik herinner me ons eerste gesprek: - "Wat vind je van het Paleis van de Sovjets?" "Het is jammer … jammer dat het niet gebouwd is." Het was het wachtwoord dat voorlopig een zeldzame gelijkgezindheid bepaalde. We begonnen samen te werken, er was natuurlijk geen sprake van enige vorm van commercie. Boris 'artistieke talent en mijn architecturale visie werden belichaamd in competitieve projecten, in kunstvoorwerpen, en we werkten toen samen aan het bovengenoemde diploma, waarbij we het denkbeeldige Moskou van 2006 bevolkten met mensen uit de schilderijen van Deineka en Samokhvalov. Een grote rol in onze biografie werd gespeeld door de stadsfestivals, die werden georganiseerd door Ivan Ovchinnikov en Andrey Asadov. Doe-het-zelf-buiteninstallaties waren de eerste gelegenheid om ruimtelijke ideeën in de natuur te testen. Voor het eerst hebben we deelgenomen aan een evenement genaamd "The City of Childhood", in deze stad hebben we een object gebouwd dat leek op de propagandastructuren van de jaren 1930 - de "Red Stand", terwijl het team in overeenstemming werd verklaard met het thema van het festival - "Kinderen van Iofan".

De vurige en tegenstrijdige jaren dertig, waarin het project van Iofan de ommekeer markeerde, weerklonk in hun eigen jeugdervaringen, dorstig naar actie en verandering. In tegenstelling tot de chaos en chaos van Loezjkovs Moskou, probeerden we een ander Moskou te presenteren zoals het was bedacht in het Algemeen Plan van 1935. Urenlang liepen we op zoek naar fragmenten van die stad: rode lijnen, richtingen, onafgemaakte complexen, het oplossen als een rebus, ons een heel en slank ensemble voorstellen dat bestaat uit hoogwaardige architectuur, gemaakt door overleden meesters, van wie sommigen namen gewekt ontzag: Fomin, Shuko, Rudnev, Dushkin …

• 

  

  1/5 Installatie: Tank "Flowers to the Fallen". Architecturale groep "Kinderen van Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Installatie: Tank "Flowers to the Fallen". Architecturale groep "Kinderen van Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Installatie: Tank "Flowers to the Fallen". Architecturale groep "Kinderen van Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Installatie: Tank "Flowers to the Fallen". Architecturale groep "Kinderen van Iofan" © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Installatie: "Luchtvaartsysteem - een hulpmiddel om het recreatief comfort van Moskou te vergroten". Architecturale groep "Kinderen van Iofan" © Stepan Lipgart

Wat voor schandaal is er met je gebeurd met Tom Maine?

Ja, er was in feite geen schandaal, maar zelfs zonder dat had dat incident een grote invloed op mij. De lezing van de oprichter van de Morphosis-groep veroorzaakte toen, in mijn derde jaar, veel opschudding: bijna het hele architectonische instituut van Moskou verscheen in de sneeuwwitte Vlasov-hal van het Central House of Artists. Maine's creativiteit is helder, opwindend, al deze gescheurde, zwevende, uiteenvallende volumes konden niet onverschillig blijven. Toen kwam alles wat hij demonstreerde me vreselijk voor, niet organisch, zonder logica en vooral anti-menselijk. Nadat ik mijn moed had verzameld, stelde ik na de lezing een vraag, zeggen ze, maar hoe zit het met mensen? Ik was onder de indruk dat Maine in eerste instantie niet eens begreep wat ik bedoel. Zijn antwoord had betrekking op ontwerptechnologie, hij sprak hier veel over tijdens de lezing, zeggen ze, de computer is slechts een hulpmiddel, en mensen, dat wil zeggen architecten, zijn makers, auteurs. Ik heb nooit een antwoord gekregen over de gebruikers van zijn gebouwen. Hoe het ook zij, elke moderne architectonische vorm na die lezing leek me lange tijd onnatuurlijk.

Het herinnerde me eraan hoe de componist Arvo Pärt ooit brak met de avant-garde, omdat hij in deze taal niet kon zeggen wat hij wilde zeggen. Er is je vaak gevraagd waarom je de jaren dertig als inspiratiebron hebt gekozen, maar ik vraag je toch om je houding ten opzichte van deze architectuur toe te lichten

Volgens mijn gevoel bereikte de architectuur van het Russische rijk, voornamelijk in de hoofdstad, aan het begin van de 20e eeuw het wereldniveau, en als we het niet vergelijken met de culturele centra van die tijd - Frankrijk, Oostenrijk-Hongarije, maar, bijvoorbeeld, met Italië, dan overtrof het. Neem de gebouwen in Rome rond de eeuwwisseling, dit is een solide, goedgetekende, maar nog steeds zeer secundaire architectuur: een reproductie van de Renaissance, absurde composities rond het thema van de oudheid, of volgens dezelfde Franse mode.

Toch is St. Petersburg van de Zilveren Eeuw, de tijd van Benoit en Lidval, de focus van hoge professionals, meesters in architectuur. Laten we herinneren aan de bouw van Marian Peretyatkovich, het Wawelberg-huis op Nevsky Prospekt, een briljant werk, een virtuoze synthese van een Florentijns palazzo en noordelijke art nouveau, of de emotionele opussen van de jonge Belogrud, gevuld met een vage energie van anticipatie, verwachtingen van shock en verandering.

Toen deze schokken plaatsvonden in 1917, sloten de meeste architecten van de oudere generatie zich aan bij de bouw van het nieuwe land, en hun leerlingen, een sterrenstelsel van uitstekende architecten die aan de vooravond van de revolutie en in de eerste jaren daarna studeerden, sloten zich aan bij de bouw van het nieuwe land. met nog meer ijver: Lev Rudnev, Noah Trotsky, Evgeny Levinson en vele anderen. Het gaat niet alleen om de Sint-Petersburg Academie, want de grondleggers van het constructivisme in Moskou, Alexander en Viktor Vesnin, Alexander Kuznetsov, zijn professionals van de oude school.

Hoe paradoxaal het ook mag klinken, het begin van de jaren dertig heeft de Sovjetarchitectuur enige tijd verrijkt: jarenlang bestonden zowel avant-garde als classicistische concepten naast elkaar. De meesters van de oude school kregen de kans om het neoclassicisme dat in de jaren 1910 begon, te 'schrijven', om hun kennis en ervaring volledig over te dragen aan een nieuwe generatie opmerkelijke architecten: Georgy Golts, Mikhail Barshch, Leonid Polyakov, Ilya Rozhin. Kortom, naar mijn mening is de vooroorlogse Sovjetarchitectuur een fenomeen van zeer grote schaal, rijk aan ideeën en ambities, met een hoge kwaliteit uit eerdere tijdperken.

• 

  1/3 Arch. M. Peretyatkovich. Huis van Wawelberg op B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  2/3 Arch. M. Peretyatkovich. Huis van Wawelberg op B. Morskaya. St. Petersburg. 1912 © Stepan Lipgart

• 

  3/3 Arch. E. Levinson, I. Fomin. Huizen op Ivanovskaya Street in Sint-Petersburg. 1934-1938 © Stepan Lipgart

Uw drijfveer voor de jaren dertig is dus om een beroep te doen op hoge kwaliteit

Ik ben gefascineerd door het artistieke potentieel van deze tijd, waarschijnlijk als een van de vormen van hoge kwaliteit.

Wat is je favoriete stukje architectuur?

De verleiding is nu groot om iets uit de eerder genoemde Sint-Petersburgse Zilvertijd te herinneren, maar voor de duidelijkheid zal ik het gebouw uit de jaren dertig een naam geven, het heeft echt een overweldigende indruk op me gemaakt. Voor onder meer de internationale tentoonstelling van 1937 richtte Frankrijk twee grootschalige tentoonstellingscomplexen op, waarvan ik er één wil noemen - het Palais de Tokyo. De architectuur van het paleis ligt dicht bij zowel de Mussolini-stijl als de Sovjetmodellen, voornamelijk de Lenin-bibliotheek. De sobere monumentale uitstraling van het gebouw wordt echter aanzienlijk verzacht, zowel door de schilderachtigheid van een heldere volumetrische compositie als door de sensuele plasticiteit van de sculptuur die de ruimtes bij de gevels van het paleis vult. Ik denk dat de emotie van het Palais de Tokyo, volledig verstoken van het officiële karakter van 'totalitaire' architectuur, maar zelfs, zoals het mij lijkt, een zekere mate van intimiteit impliceert, te wijten is aan het feit dat het paleis niettemin werd gebouwd in een land van burgerlijke democratie.

Voor mij is er een bepaald criterium van de hoogste architectonische kwaliteit: wanneer een grootschalig gebouw zo perfect, integraal en harmonieus is dat de stedelijke ruimte, die wordt beïnvloed door zijn architectuur, wordt gezien als een wereld van onaardse schoonheid, zelfs merkbaar anders dan de prachtige ensembles van de omliggende stad. In Sint-Petersburg wordt zo'n gevoel gewekt door de colonnades van de Kazankathedraal, in Parijs - door het Palais de Tokyo. In de wereld van de laatste zegevieren verhoudingen en lijn, geest en wil, vurige liefde, in steen gedrukt.

• 

  1/3 Palais de Tokyo op de Wereldtentoonstelling in Parijs. 1937

• 

  2/3 Palais de Tokyo op de Wereldtentoonstelling in Parijs. 1937

• 

  3/3 Palais de Tokyo in Parijs. Fragment. © Stepan Lipgart

Aan welke wedstrijden en tentoonstellingen heb je deelgenomen, met wat werkt? Wat zijn de onderscheidingen?

In 2017 waren er in Moskou en vervolgens in St. Petersburg twee van mijn persoonlijke tentoonstellingen ("The Seventeenth Utopia" en "Search for a Hero"), waarvoor ik hun curatoren, respectievelijk Alexandra Selivanova en Lyusa Malkis. Maar met een bijzondere warmte herinner ik me onze tentoonstelling met de onstuimige titel "Forward, to the 30s!" in het Architectuurmuseum, dat in de herfst van 2008 werd geopend. Haar voorbereiding deed enigszins denken aan een ander stadsfestival. Er was heel weinig geld, maar er waren veel vrienden klaar om te helpen, ideeën en mijn eigen kracht in onbeperkte hoeveelheden. De curator was mijn vriend, kunstcriticus Masha Sedova.

En nu, gedurende twee en een halve maand, vestigden we ons in een kleine gemeenschap, waren we bezig met de constructie van modellen, expositie-installaties, productie van posters en ander tentoonstellingsmateriaal. Het resultaat, zo lijkt het, was echt helder, in ieder geval vestigde de speciale gast van de tentoonstelling, Grigory Revzin, de aandacht op de kinderen van Iofan.

Wat betreft de wedstrijden, blijkbaar zijn we, vanwege de specificiteit van het thema van ons werk, hier niet al te veel geslaagd, maar we hebben er niet naar gestreefd om te slagen, er zijn een paar ARCHIWOOD-prijzen, maar ik denk dat dit kan worden toegeschreven op een uitzondering op de regel.

• 

  

  1/6 Installatie "Pillars of OSVOD", laureaat van de ARCHIWOOD-2012 prijs Architecturale groep "Children of Iofan"

• 

  2/6 Installatie "Pillars of OSVOD", laureaat van de ARCHIWOOD-2012 prijs Architecturale groep "Children of Iofan"

• 

  3/6 Installatie "Pillars of OSVOD", laureaat van de ARCHIWOOD-2012 prijs Architecturale groep "Children of Iofan"

• 

  4/6 Installatie "Pillars of OSVOD", laureaat van de ARCHIWOOD-2012 prijs Architecturale groep "Children of Iofan"

• 

  5/6 Installatie "Pillars of OSVOD", laureaat van de ARCHIWOOD-2012 prijs Architecturale groep "Children of Iofan"

• 

  6/6 Installatie "Pillars of OSVOD", laureaat van de ARCHIWOOD-2012 prijs Architecturale groep "Children of Iofan"

Wat zijn jouw indrukken van het werken in de studio van Mikhail Filippov?

Naar mijn mening is Michail Anatolyevich een briljante kunstenaar, en zijn visie op architectuur veronderstelt een kwaliteit van de werkelijkheid die vandaag onbereikbaar is: sociaal, cultureel, technologisch. Om de architectuur van Filippov in volle klank een deel van de materiële wereld te laten worden, is er te veel te veranderen in de wereld, om veel te onthouden. Dit idee maakt me bang en stelt me teleur, maar het lijkt erop dat één persoon, zelfs oneindig getalenteerd, het niet kan. Ik heb in totaal een jaar in de Mikhail Filippov-werkplaats gewerkt, ik ben blij dat ik de meester ken, ik ben hem dankbaar voor zijn werk.

Praktijk

Op 30-jarige leeftijd begon u met het ontwerpen van grote wooncomplexen in Sint-Petersburg. Huis "Renaissance" aan de straat. Dybenko is al gedeeltelijk gebouwd, "Petite France" op de 20e lijn van Vasilievsky Island wordt gebouwd. Op deze leeftijd slagen maar weinig mensen erin om dergelijke bestellingen te krijgen. Wat is het geheim?

Een paar maanden geleden spraken we met Aleksej Komov, en hij definieerde deze situatie in het bijzonder als volgt: “Er is jouw positie van een meester, een revivalist. Er is je wereld, waarin je leeft zonder een verschil te maken tussen papieren en echte projecten, en topklanten, de aanwezigheid van deze wereld, de vastberadenheid van artistieke overtuigingen, voelen en willen meedoen. En aangezien dit een grootschalige wereld is, blijken de projecten groot te zijn: woongebouwen en fabrieken, en geen privéwoningen en geen interieurs."

Het klinkt erg luid, lovend, aan de andere kant is het vreemd om sommige gebeurtenissen in het leven met een blinde kans af te schrijven. Ik herinner me dat ik op mijn dertigste, toen ik materiaal voor Arch-Moscow selecteerde, mijn talrijke foto's herzag: papier, wedstrijdprojecten, foto's van installaties, en ik had het gevoel dat er zich genoeg beelden en ideeën hadden verzameld zodat ze op de een of andere manier doorbraken, kwam uit in de echte wereld. Dus het gebeurde snel. Natuurlijk speelden eerdere kennissen een rol: Grigory Revzin bracht me samen met Kusnirovich, Maxim Atayants, die professioneel en moreel een voorbeeld voor mij is, faciliteerde een ontmoeting met een ontwikkelaar in Sint-Petersburg.

Vertel ons over het apparaat en de methoden van de workshop van Liphart Architects?

Mijn hoofdtaak zie ik in het werken met een architectonisch beeld, respectievelijk alles is zo gebouwd dat het met maximale efficiëntie, maar met een minimum aan team, kan worden opgelost. De werkplaats is erg klein, maximaal vijf personen, het houdt zich bijna uitsluitend bezig met schetsontwerp. Het liefst teken ik de buitenkant van het gebouw met mijn eigen hand, van de eerste potloodlijn tot de laatste centimeter van het uiteindelijke computermodel van de gevel. De rest van het werk delegeer ik aan mijn collega's. Het project en de werkdocumentatie zijn ontwikkeld door externe ontwerpers, wij nemen deel aan het proces als onderdeel van de supervisie van de ontwerper.

Het eerste huis in Sint-Petersburg,

Wooncomplex "Renaissance", heb ik geschilderd volgens de gegeven indelingen. Natuurlijk hebben de ontwerpers ze tijdens het proces veranderd en aangepast, mijn beslissingen zijn ook getransformeerd, maar uiteindelijk moet worden opgemerkt dat de implementatie heel dicht bij het oorspronkelijke idee ligt. De installatie van de klant had ook invloed: verander de architectuur op de laatste plaats, bouw zoals het wordt getekend.

• 

  1/6 Uitzicht vanuit het zuidoosten naar de rotonde. Wooncomplex "Renaissance" © Liphart Architects

• 

  2/6 Renaissance wooncomplex Visualisatie © Liphart Architects

• 

  3/6 Wooncomplex "Renaissance" Foto © AAG

• 

  4/6 Project van het wooncomplex "Renaissance" aan de Dybenko-straat, St. Petersburg, sinds 2015Computergraphics In aanbouw Klant: investering en bouwbedrijf AAG © Stepan Lipgart

• 

  5/6 Zicht vanuit het zuidoosten, avondverlichting. Wooncomplex "Renaissance" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Courtesy of Liphart Architects

• 

  6/6 Uitzicht op noordgevel, avondverlichting. Wooncomplex "Renaissance" Foto © Dmitry Tsyrenshchikov / Courtesy of Liphart Architects

In het geval van het zogenaamde "Klein Frankrijk" - ons eerste huis in het historische centrum van de stad - had ik meer bewegingsvrijheid: het volume en het aantal verdiepingen werden bepaald, een aantal algemene ideeën met appartementsformaten, alles anders werd besloten op basis van het uiterlijk dat ik had uitgevonden. Het ontwerp van dit object viel samen met mijn verhuizing naar Sint-Petersburg, dus het werd met veel gevoel getekend, met een soort neofytische ijver, de werken van Lidval en Klenze, die ik toen echt zelf ontdekte, hadden een grote invloed op zijn architectuur.

• 

  1/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

• 

  2/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

• 

  3/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

• 

  4/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

• 

  5/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

• 

  6/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

• 

  7/7 RC "Little France". 20e lijn van Vasilievsky Island. Sint-Petersburg © Liphart Architects

Een aantal projecten in Sint-Petersburg waar we momenteel in een of ander stadium aan werken: woongebouwen aan de Magnitogorskaya-straat, Malokhtinsky Prospect, aan de Black River-dijk - worden op een vergelijkbare manier ontworpen. Het huis op de 12e lijn van het Vasilievsky-eiland is zeer complex van configuratie, dicht, het werd gedurende zes maanden getekend. Misschien zijn de meeste inspanningen in dit object gestoken, ik hoop echt op de implementatie ervan.

De 'doe-als-getekend'-mentaliteit voor ontwerpers ontstond omdat de klanten je bondgenoten waren. Voelen klanten de schoonheid?

Het lijkt mij dat het vermogen om het mooie te zien een geschenk is dat aan iedereen wordt gegeven vanaf de geboorte; het is een andere zaak dat levensomstandigheden, omgeving, vooroordelen dit geschenk van een persoon kunnen wegnemen of hem in ieder geval ernstige schade kunnen berokkenen.. Soms lijkt het erop dat in het huidige Rusland, dat de afgelopen eeuw heeft geleden, de meerderheid is vergeten hoe ze niet alleen schoonheid kunnen vergroten, maar zelfs kunnen onderscheiden van het lelijke. Des te mooier is de ontmoeting met de ambitie om de esthetiek te creëren. Naar mijn mening hebben zowel Alexander Zavyalov, de eigenaar van het ontwikkelaarsbedrijf in Sint-Petersburg, als Mikhail Kusnirovich zo'n ambitie.

• 

  1/7 Zicht op de administratieve voorzieningen en productiegebouwen vanuit het zuidwesten. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

• 

  2/7 Zicht op het administratiegebouw vanuit het zuidoosten. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

• 

  3/7 Trap voorzijde, fragment. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

• 

  4/7 Fragment van de westelijke gevel van het administratief gebouw. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

• 

  5/7 Hal van de 1e verdieping met het Winter Garden_fragment. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

• 

  6/7 Algemeen zicht op de stopplaats vanuit het zuiden. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

• 

  7/7 De zuidelijke gevel van het administratief en voorzieningengebouw, fragment. Kledingfabriek "Manufactura Bosco" Foto © Ilya Ivanov / geleverd door Stepan Lipgart

Verder beginnen natuurlijk de smaakvoorkeuren van de klant een rol te spelen en veranderen, moet ik zeggen, in de loop van de tijd van volledig toeval met de mijne naar een volledig misverstand. In de eerste projecten met Zavyalov, bijvoorbeeld, werd orde, klassieke architectuur met een knal geaccepteerd en spraken we dezelfde taal, maar nu wordt de taak steeds meer gesteld volgens het principe dat bekend is uit de instituutjaren: 'Make me like in deze foto. Hier rijst onvrijwillig de vraag in hoeverre ik klaar ben voor een compromis. Over het algemeen is er wat teleurstelling in het beroep na de eerste jaren van praktisch werk. Tot dusverre is het echt belangrijke en waardevolle gewonnen in papieren projecten, niet in de uitvoering.

Papieren projecten

Meer dan twee jaar geleden zei ik in een commentaar op archi.ru dat het belangrijkste onderwerp dat me interesseert de onopgeloste tegenstellingen zijn die inherent zijn aan de Russische cultuur en geschiedenis, die zich vooral sterk manifesteerden in de jaren dertig van de vorige eeuw. De botsing van de machine met het traditionele en door de mens gemaakte. De lijn van heroïsche Petersburgse architectuur, belichaamd zowel in de art deco van Levinson en Trotski, als in het sombere archaïsche van Belogrud en Bubyr, en zelfs eerder in de boog van de generale staf en het monument voor Peter. Een lijn van belaste impulsen, overwinnen, geassocieerd met de aard van de stad, die verschillende keren is onderworpen aan gewelddadige Europeanisering.

In uw werken, orde architectuur en technologie elkaar niet ontkennen, maar integendeel elkaar verrijken: art deco en reactor, art deco en raket … Welk papieren project staat u het meest na en waarom?

De serie "At the Reactor" is een persoonlijke toewijding, het belichaamt het beeld van een atoomreactor als een kracht die deze wereld verwarmt, maar ook dreigt te vernietigen. Deze energie heeft gelijkenis met menselijke hartstocht. Het station is als een tempel en ook hier is het thema van de vergoddelijking van de auto aanwezig.

• 

  1/5 Serie "At the Reactor" 2014 Computergraphics Papieren project © Stepan Lipgart

• 

  2/5 Serie "At the Reactor" 2014 Computergraphics Papieren project © Stepan Lipgart

• 

  3/5 Treinstation Finlyandsky 2014 Computergraphics Papieren project © Stepan Lipgart

• 

  4/5 Project voor verbetering en wederopbouw van het grondgebied van het Neskuchny Sad-park. Fase 2011-2012 Computergraphics Niet geïmplementeerd Klant: Bosco-bedrijvengroep © Stepan Lipgart

• 

  5/5 Project voor verbetering en reconstructie van het grondgebied van het Neskuchny Garden-park. Kas 2011-2012 Computergraphics Niet geïmplementeerd Klant: Bosco-bedrijvengroep © Stepan Lipgart

Ik herinner me nog goed hoe de plot van het werk dat ik "Arc de Triomphe" noem tot stand kwam. De dag ervoor had ik een inspirerend gesprek, waarin de gesprekspartner opriep tot een beeldmanifest, mijn idee van de toekomst. Blijkbaar vond hij de juiste woorden, de foto was in een minuut geboren: een gewaagde raket, klaar om af te breken in empirisme, omlijst door een gigantische architectonische vorm. De verovering van de ruimte, mogelijk gemaakt door een technologische doorbraak, en dynamische lijnen die in harmonie met deze beweging klinken en het stempel dragen van zinvolle Art Deco.

Op de tentoonstelling in Moskou waren er projecten van vrij esthetische Art Deco-villa's. Een villa is het beeld van een particulier. Wat voor soort persoon is dit, met welke eigenschappen?

Het is interessant dat elk project een aanbieding is voor een specifieke klant, maar geen van hen heeft besloten om hun huis in dergelijke vormen te bouwen. Het lijkt mij dat Maxim Atayants een vrij nauwkeurige beschrijving gaf, waarbij hij opmerkte dat dit geen privéwoningen zijn, maar tentoonstellingspaviljoens voor het tentoonstellen van de klant en zijn dagelijks leven. Ja, misschien impliceren de benadrukte representativiteit, monumentaliteit en plechtigheid van architectuur geen privacy, comfort, serene stroom van dagen. Het beeld van dit huis daagt zijn bewoner uit, en hij moet met hem corresponderen, allereerst in esthetische termen, maar niet alleen. Hier komen we dicht bij het thema van de uitzonderlijke persoonlijkheid, de held.

• 

  1/4 Project "Winged Villa" 2016 Computergraphics Niet geïmplementeerd Particuliere klant © Stepan Lipgart

• 

  2/4 Project van de villa "Acropolis Litorinum" 2015 Computergraphics Regio Leningrad, district Vyborgsky Niet geïmplementeerd Particuliere klant © Stepan Lipgart

• 

  3/4 Project "Villa ITR", 2011 Computergraphics Regio Moskou, district Tsjechov Niet geïmplementeerd Particuliere klant © Stepan Lipgart

• 

  4/4 Villaproject "Pavillon Lecayet", 2015Computergraphics regio Moskou. Niet geïmplementeerd Particuliere klant © Stepan Lipgart

Metafysica

Wat is het verschil tussen jouw concept van een held en een romantische held uit de 19e eeuw, die de strijd aangaat met het lot en zich verzet tegen de menigte; van de superman en demiurg van de avant-garde; van een twintigste-eeuwse libertariër?

Ik herinner me dat ik in Khan-Magomedov las dat Ivan Leonidov, die zijn "Stad van de Zon" creëerde, nauwelijks bekend was met de tekst van Tommaso Campanella. Zijn utopisch constructivisme gaf een beeld van een mooie toekomst, en de plot van de Stad van de Zon was in overeenstemming met zijn gevoelens. Het is de moeite waard om meteen vast te stellen dat mijn "concept van de held" ook niet voldoende filosofische diepgang heeft, erachter zijn geen lange teksten, onderzoek, pogingen om mijn eigen gissingen empirisch te testen. Het belangrijkste hier is je eigen intuïtie, het ervaren van bepaalde gevoelens, verhoging. En de meest succesvolle manier van de beruchte zoektocht naar de held is door het artistieke vertoon van menselijke schoonheid te observeren. Het meest voor de hand liggende voorbeeld is een portret van de Renaissance, dat de menselijke natuur verheft en vergoddelijkt. Maar nog dichter bij het ideaal zijn die doeken waar het hemelse licht in conflict komt met de donkere kant van de menselijke natuur. Het was voor mij een frisse, sterke indruk om de werken van Parmigianino en Bronzino live te zien, er is geen lichte vrede van Renaissance-harmonie in hen, integendeel, de doordringende kou van onberispelijke gelaatstrekken, de fragiele balans van Apollinisch en Dionysisch, wat impliceert reactie, vrijmoedigheid, het werk van de ziel.

In Scriabins Divine Symphony creëert de held-demiurg een wereld uit het niets. Het God-fight-concept geeft aanleiding tot hele mooie muziek, maar ethisch gezien is het aan de limiet. Je held - wie is hij?

De held is de middelste stap tussen een persoon met zijn zwakheden en ondeugden en het Hoogste principe. De held is niet iemand die op wonderbaarlijke wijze met goddelijke vermogens is begiftigd, maar die met de kracht van zijn geest, zijn eigen ziel, streeft naar het hoogste ideaal, zowel moreel als in de zin van fysieke schoonheid.

Maar een kunstenaar is een held op het moment dat hij iets creëert. De manifestatie van schoonheid in een werk is altijd een wonder en gewaagd. Terugkerend naar de jaren dertig, zijn zowel de makers als hun beelden daar heroïsch. Architecten bouwden en componisten schreven, waarbij ze hun leven op het spel zetten. In 1938 zat Sjostakovitsj elke nacht in het trappenhuis van zijn huis met een koffer, in afwachting van zijn arrestatie omdat zijn vriend, maarschalk Tukhachevsky, was neergeschoten. Sjostakovitsj wordt sinds het begin van de jaren dertig in druk opgejaagd. In 1937 schreef hij echter de 5e symfonie, waarin, volgens Pasternak, "hij alles zei en er niets met hem gebeurde". De held in deze muziek sterft in de strijd tegen een helse totalitaire machine

In de jaren dertig werd een ultieme poging gedaan om het heroïsche, demiurgische maximaal te verduren - het Derde Rijk. Een poging om de universele menselijke moraal te veranderen, te verdraaien, een nieuwe persoon, een nieuwe samenleving, een nieuwe stad te creëren. De cultus van een held die tientallen miljoenen heeft veroverd. Het resultaat is monsterlijk, en vanuit ethisch, humanistisch oogpunt is het niet onderhevig aan enige rechtvaardiging. Er moet aan worden herinnerd dat de lijn hier erg dun is.

Ja. Omdat de middelen monsterlijk zijn, en de middelen het belangrijkste zijn. Ja, er was een monsterlijk doel

Zijn er andere middelen mogelijk? Neem het ridderschap - het wordt geassocieerd met geweld en moord, en tegelijkertijd, goed uitziend, herinnert iedereen zich de majestueuze muren van middeleeuwse kastelen en de cultus van een mooie dame.

Ik ben het er niet mee eens dat het heroïsche concept wordt geassocieerd met geweld, misschien met het confronteren van geweld en het overwinnen van jezelf. Als we het leven verzoenen met een verticale dimensie, dan hebben we het over een held die zichzelf opoffert voor andere mensen

Overigens werd opoffering ook gepromoot in de nazi-samenleving. Als gevolg hiervan is er in het moderne Duitsland al een mening dat het streven naar eigenwaarde schoonheid gelijk kan worden gesteld met het nazisme.

Dit is een vergissing. De kunstenaar creëert een vorm, het is een dominant gebaar, in zekere zin totalitair, maar kunst is een gebied waar hiërarchie gunstig is. Het postmodernisme probeerde dit gebaar te deconstrueren, en het artistieke resultaat is niet erg overtuigend. De zilveren eeuw balanceerde op de grens van kunst en levensopbouw. Hij creëerde schoonheid, maar bleef in het artistieke veld en ging niet verder (meer bepaald, dichters en kunstenaars experimenteerden met allerlei obscene sekten, zoals we weten uit de memoires van Alexander Benois, maar dit was hun privéaangelegenheid). Lenin is niet de zilveren eeuw

Maar de kunstenaars verzamelden die wolken aan de vooravond van het drama van 1917, riepen en hongerden ernaar. Wat zijn onweer en bliksem? Dit is iets oncontroleerbaars. Scriabin had natuurlijk een ander idee van het uiterlijk van een nieuwe man, het is duidelijk dat hij geen commissaris was met een Mauser en geen brutaal aanvalsvliegtuig. De blokkade van Leningrad als de realisatie van de meest verschrikkelijke dromen van de Zilveren Eeuw ligt in het gevoel van bovenmenselijkheid en opoffering, in deze schemerige koude sensaties belichaamd in de huizen van Belogrudov. Ze hadden al een voorgevoel van een op handen zijnde tragedie, een voorgevoel van het archaïsche, dat verscheen naar het beeld van Stalin vanuit de donkerste diepten. Door het thema aan te scherpen, zie ik het beeld van de held in de werken van de beeldhouwers Josef Torak en Arno Brecker. Het lef neigt daar zeker naar de donkere natuur, maar het is indrukwekkend.

Net als de durf van veel libertaire kunstenaars uit de 20e eeuw. Wright, Sullivan, Scriabin waren Nietzscheans. Maar ze begrepen Nietzsche op een vulgaire manier. Nietzsche, toen hij zijn uitspraak over de dood van God zei, betekende dat een persoon zich niet meer naar de hemel wendt, niet langer in staat is tot dankzegging, om zijn daden in overeenstemming te brengen met God. Mensen stuurden de resulterende vrije energie om hun doelen te bereiken en bereikten veel. Maar de gevallen menselijke natuur manifesteerde zich in al zijn glorie

De gevallen menselijke natuur manifesteert zich vandaag in volle groei. Het is jammer dat deze displays geen artistieke waarde hebben.

Ja. Maar mensen begrepen een aantal dingen. De wereld heeft het fascisme verslagen en het evenwicht wordt nog steeds gehandhaafd, zij het met moeite. Albert Schweitzer zei dat de mens niet superintelligent werd nadat hij de atoombom had uitgevonden, dat wil zeggen, superkrachten te hebben gekregen. Misschien is de held een superintelligent persoon. Niet in de zin van voorzichtigheid natuurlijk, maar integendeel, in de zin van roekeloosheid, het vermogen tot genade, opoffering. De heilige is nogal een held en superman. We hebben waarden die we niet willen verliezen. Als we het over architectuur hebben, is een Europese historische stad een waarde, en de architectuur van de jaren dertig is daar een organisch onderdeel van

Ja, maar er was ook een nieuwe kwaliteit in haar. Terugkomend op mijn Parijse indruk, dat bezoek was erg kort, geconcentreerd: in acht uur liep ik van het Pantheon naar het Trocadero, nadat ik erin geslaagd was het Louvre te bezoeken. De grote stad verbaast me met zijn schaal, rijkdom aan gevels gemaakt van natuursteen, de uitgestrekte lanen, de pracht van enorme paleizen, en toch, toen ik uitkwam bij de gebouwen van de Parijse tentoonstelling, kon ik niet anders dan een andere dimensie voelen, een andere graad van betekenis, een beeld van de toekomst, dat nooit kwam, omdat de destructieve aard van de mens toen prevaleerde boven de creatieve.