Sergey Estrin:
- Het is moeilijk om een duidelijk criterium uit te werken om het niveau van grafisch werk te beoordelen. Als je van het tegenovergestelde uitgaat, van wat je niet leuk vindt, dan vind je het beslist niet leuk als getalenteerde tekenaars foto's maken. Dergelijke afbeeldingen zijn alleen opvallend omdat ze afbeeldingen met de hoogste nauwkeurigheid overbrengen, de afbeeldingen zien eruit als levende. Voor mij is dit zeker geen selectiecriterium. Het is voor mij belangrijk dat als ik naar een werk kijk, ik meteen de wens heb om erover na te denken. Zodat een hele reeks associatieve beelden, toespelingen, zelfs sensaties en emoties verschijnen. Ik vind het leuk als je de lijn begint te volgen, hoe de auteur het leidde, en ik denk er graag over na waarom hij het op deze manier deed en niet anders. Het is ongeveer hetzelfde met architectuur - ik ben gefascineerd door dubbelzinnige gebouwen, wanneer je kunt genieten van verschillende invalshoeken, verschillende opkomende beelden en ontdekkingen …
1.
Pavel Bunin (1927-2008)
Ik hou erg van zijn graphics. Het is heel anders. Bunin had bijvoorbeeld een periode waarin hij vlekken schilderde. Als kind had ik boeken met zijn illustraties. Ik herinner me zijn geweldige illustraties voor Poesjkin. Ik hou echt van de manier waarop hij met de teksten van Omar Khayyam werkte. Of deze tekening: door de levendigheid van de lijn, door het understatement - dit is een interessant werk. Bunin hoeft niet de hele figuur te tekenen, het hele volume, dit is overbodig - de lijn zelf, zoals het gaat, en geeft de betekenis van het beeld weer. Ergens lijkt het alsof de hand trilde, de lijn breekt - maar dit is niet omdat de kunstenaar zwak is, maar omdat het nodig is om de betekenis over te brengen. En nu kijk je naar deze lijn - met tussenpozen, nerveus, verschillend in dikte - en het vertelt alles wat nodig is. Voor mij is dit het hoogste niveau, absoluut geweldige graphics. Bovendien weet ik zeker dat Bunin dit zonder enige voorbereiding heeft geschilderd, het model poseerde nauwelijks voor hem. Ik probeer opzettelijk deze manier van tekenen van de lijn te herhalen, ik teken bergen op deze manier … Op deze manier - in halve lijnen - proberen veel kunstenaars te tekenen, maar dat lukt niet allemaal.
2.
Stanislav Noakovsky (1867-1928)
Ik maakte kennis met zijn werk op het instituut. Noakovsky - Russisch-Poolse architect en grafisch kunstenaar, leefde aan het begin van de 19e en 20e eeuw, vóór de revolutie die hij doceerde aan de Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture, was hij lid van de Imperial Academy of Arts. Hij was een groot aquarellist, schilderde architectonische monumenten. De studenten waren dol op hem. Er is een foto bewaard gebleven waarin hij tijdens een lezing met krijt op een leisteen tekent waarin hij architecturale stijlen uitlegt. Ik stel me levendig voor hoe hij voor het eerst laat zien wat bijvoorbeeld de rococo-stijl onderscheidt - verhoudingen, elementen, combinaties, de verhouding tussen de schalen van muren en decor. En hij doet het allemaal snel, met een paar slagen, maar wel zo dat de essentie wordt vastgelegd. Dat wil zeggen, op een zeer artistiek en professioneel niveau. Ik kan me voorstellen hoe overstuur het was voor de studenten toen hij het ene waste en het andere begon te tekenen, misschien niet minder briljant …
Hetzelfde zit in deze aquarellen: het belangrijkste wordt hier overgebracht. Noakovsky hoefde niet elk detail, elk reliëf te tekenen, alsof hij een foto kopieerde. In plaats daarvan concentreert hij zich op de essentie: het brengt ruimte, kracht, ritme, verhoudingen, indrukken van hen over. Dit lijkt sterk op hoe ons geheugen in het algemeen werkt - kleine dingen worden gewist, waardoor een algemeen beeld achterblijft dat indruk op ons heeft gemaakt. Noakovsky ook - hij begrijpt het hele beeld. Een zeer architecturale, zeer correcte, naar het mij toegankelijke benadering van tekenen.
3.
Giovanni Battista Piranesi (1720-1778)
Eerlijk gezegd raakt niet alles in Piranesi's werk me. Oude monumenten, uitzichten op Rome, zijn architectonische landschappen geven me niet een sterk gevoel. Het is heel goed gedaan, doordacht, geverifieerd, maar je hoeft je geen zorgen te maken. En iets heel anders zijn zijn fantasieën over het thema van gevangenissen, zijn "Dungeons" - een serie van 16 vellen. Architecturale dwaasheden, in werkelijkheid volkomen onmogelijk, waarin hij zich tot niets meer beperkte. In deze bladen bouwde hij een transcendentale wereld, complex, fascinerend, mystiek, opwindend. Ik heb ooit een heel boek gekocht voor een paar reproducties van Piranesi's Dungeons. Deze werken zijn zeer persoonlijk, emotioneel en vooral zeer modern, hoewel ze voor het eerst werden gepubliceerd in het midden van de 18e eeuw.
4.
Savva Brodsky (1923-1982)
Vader van Alexander Brodsky. Afgestudeerd aan het Moscow Architectural Institute. En in zijn boekafbeeldingen wordt inderdaad een architect gevoeld. Er is een contrast, verhoudingen, een soort strengheid, natuurlijk een gevoel van lijn en vorm - dit alles bij elkaar maakt een sterke indruk. Hij weet hoe hij het onderwerp vakkundig moet aansnijden - kijk naar deze schreeuwende hoofden, er zijn er zoveel dat het lijkt alsof je hun gelach al kunt horen, fysiek kunt voelen. De figuren van Don Quichot en Sancho in het midden van deze zee van hoofden zijn getekend alsof ze door een beeldhouwer zijn gemaakt. Zeer goede graphics. Voor zijn illustraties voor Don Quichot ontving Savva Brodsky een gouden medaille op de boekenbeurs in Moskou en werd hij door de Spaanse Koninklijke Academie voor Schone Kunsten verkozen tot corresponderend academicus.
En zijn lakens voor Romeo en Julia zijn ook geweldig en zeer architectonisch. Dit blijkt uit het feit dat dit een serie is - dat wil zeggen, de auteur bepaalt het ritme en werkt daarom als architect. Er zijn assen, een perspectief dat zich uitstrekt tot in het oneindige, en sculpturale figuren die de schaal van deze zuilengalerij en het schip bepalen. Heel fijn. Brodsky weet hoe hij het standpunt van een persoon die naar reuzen kijkt, moet overbrengen. Als architect begrijp ik hier absoluut alles, misschien vind ik het daarom leuk.
5.
Egon Schiele (1890-1918)
De Oostenrijkse kunstenaar, een leerling van Klimt, was na zijn dood eigenlijk de nummer één kunstenaar in Oostenrijk, maar stierf op 28-jarige leeftijd aan een Spaanse vrouw. Hij heeft veel schilderijen en enkele duizenden tekeningen. Zijn werk is erg interessant. Geweldig talent. Zowel herkenbaar als divers. Als hij een lang leven had geleefd, zou hij misschien beeldhouwer zijn geworden, want zijn dingen zijn erg sculpturaal, en misschien zelfs architect … Hij ziet heel correct, verwijdert onnodige dingen en voegt een ongewoon scherpe emotie toe. Hij heeft een ongelooflijk mooie lijn, als een kale zenuw. Zijn schilderij is onlosmakelijk verbonden met grafiek. Zelfs de dingen die zijn geverfd, zijn absoluut grafisch.
Zijn portretten zijn geenszins een karikatuur, geen karikatuur, waarbij ze ook proberen het belangrijkste vast te leggen. Hij verandert ook de verhoudingen een beetje, rekt ze uit. Schiele heeft een geweldige school, hij kent zeker zowel verhoudingen als anatomie, maar hij weet ze te slijpen en zo over te brengen dat elke lijn begint te rinkelen met een gespannen zenuw, je kunt het bijna horen.
En zijn bouwkundige tekeningen, die veel minder vaak worden gepubliceerd dan portretten, zijn gewoonweg prachtig in hun eenvoud. En hier ziet hij ook het belangrijkste. Het lijkt erop dat de meest gewone huizen, niemand zou denken om ze te veroveren. Maar een paar accenten - en daaruit herken je het begin van de 20e eeuw, de sfeer van de moderniteit, hoewel er hier geen enkele lijn is uit de moderniteit, uit de art nouveau.
